In the Blink of an Eye

1. La edición es un descubrimiento, no un ensamblaje

La edición —incluso en una película “normal”— no consiste tanto en juntar piezas como en descubrir un camino, y la gran mayoría del tiempo del editor no se dedica realmente a cortar la película.

Revelando la narrativa. Editar no es simplemente unir tomas; es un proceso de desvelar la historia que ya está latente en el material bruto. El editor actúa como un escultor que saca a la luz una forma oculta en un bloque de mármol, no como un albañil que construye un muro. Esto implica revisar horas de metraje, identificar los momentos más potentes y ordenarlos de modo que sirvan mejor a la historia.

El bosque y el sendero. La enorme cantidad de material en un proyecto fílmico genera múltiples caminos posibles. La tarea del editor es navegar ese paisaje, discerniendo la ruta más eficaz para transmitir el núcleo emocional de la historia. Esto exige reflexión cuidadosa, experimentación y la disposición a desechar caminos que no encajan con la visión global del filme.

Más allá de lo técnico. Los aspectos técnicos de la edición, como cortar y sincronizar, son secundarios frente al trabajo intelectual y emocional que implica. La mayor parte del tiempo del editor se dedica a visionar, discutir y meditar sobre el material, buscando comprender las sutilezas de cada toma y su posible aporte a la narrativa. Este proceso de descubrimiento es lo que finalmente moldea el producto final.

2. La emoción lo es todo: la regla de los seis

La emoción, en la cima de la lista, es aquello que debes intentar preservar a toda costa.

Jerarquía de prioridades. Al tomar decisiones de edición, la emoción debe ser la consideración principal. Esto significa priorizar los cortes que despierten el sentimiento deseado en el público, incluso si eso implica sacrificar otros elementos como la continuidad espacial o la perfección técnica. La “regla de los seis” ofrece un marco para ordenar estas prioridades:

• Emoción
• Historia
• Ritmo
• Seguimiento visual
• Planaridad
• Continuidad espacial

Sacrificando lo menor. Si un corte captura perfectamente la esencia emocional de una escena pero rompe la continuidad espacial, sigue siendo la elección correcta. El público tiende a perdonar imperfecciones técnicas si está emocionalmente involucrado. Este principio subraya la importancia de comprender el viaje emocional del espectador a lo largo del filme.

La mano invisible. Cuando la emoción es la adecuada, el público es menos propenso a notar o molestarse por fallos técnicos. El impacto emocional de una escena puede ocultar imperfecciones en el seguimiento visual, la línea escénica o la continuidad espacial. Esto resalta el papel del editor como manipulador de emociones, guiando la experiencia del espectador mediante cortes cuidadosamente elaborados.

3. La distracción: el editor como mago

La preocupación central del editor de cine debe ser ponerse en el lugar del público.

Guiando la mirada. La función del editor va más allá de ensamblar tomas; implica moldear activamente la percepción del espectador. Como un mago, el editor usa cortes y transiciones para dirigir la atención, controlando qué ven, cuándo lo ven y cómo lo interpretan. Esto requiere un profundo conocimiento de la psicología humana y el arte de la distracción.

El arte de la sugerencia. La edición efectiva se basa en la sugerencia más que en la exposición directa. Al seleccionar y ordenar las tomas con cuidado, el editor puede insinuar significados y evocar emociones sin declararlos explícitamente. Esto permite que el público participe activamente en la narración, estimulando su imaginación y creando una experiencia más inmersiva.

La visión global. Es fácil perderse en los detalles de tomas individuales, pero el editor debe mantener siempre una visión del conjunto. Esto implica dar un paso atrás y contemplar la película en su totalidad, imaginando la experiencia del público en una sala llena. Esta perspectiva ayuda a identificar momentos donde la película puede perder rumbo y hacer ajustes para asegurar una narrativa coherente y atractiva.

4. La virginidad de la visión: ver más allá del set

El editor, en cambio, debe intentar ver solo lo que aparece en pantalla, tal como lo hará el público.

Libre de contexto. La posición única del editor, alejada de las presiones y prejuicios del set, permite una perspectiva más objetiva. A diferencia del director o los actores, el editor no está influenciado por dramas detrás de cámaras ni por el apego emocional a ciertas tomas. Esta “virginidad de visión” es crucial para tomar decisiones imparciales que beneficien al filme.

Liberando la imagen. Al centrarse únicamente en lo visible en pantalla, el editor puede liberar las imágenes del contexto de su creación. Esto posibilita una evaluación más objetiva de las fortalezas y debilidades de cada toma, sin importar las circunstancias en que fue filmada. El objetivo es usar los momentos que resuenan y descartar los que no, incluso si eso implica desafiar expectativas o ideas preconcebidas.

El defensor del público. El editor actúa como el representante del espectador, asegurando que la película sea clara, atractiva y emocionalmente impactante. Esto requiere la disposición a cuestionar la visión del director y defender la perspectiva del público, aunque implique tomar decisiones difíciles o eliminar escenas queridas. La meta última es crear un filme que conecte con el público de manera profunda y significativa.

5. Soñar en pareja: la danza director-editor

La relación entre director y editor es similar a que el director suele ser el soñador y el editor el oyente.

Una alianza simbiótica. Director y editor mantienen un intercambio dinámico, aportando cada uno sus habilidades y perspectivas para moldear la película final. El director, como visionario, ofrece el sueño inicial, mientras que el editor, como oyente, ayuda a refinar y concretar ese sueño. Este proceso colaborativo exige comunicación abierta, respeto mutuo y disposición a desafiar las ideas propias y ajenas.

La analogía de la terapia de sueños. La relación director-editor puede compararse con una terapia de sueños, donde el director es el soñador y el editor el oyente. El editor propone escenarios e interpretaciones alternativas, incitando al director a defender su visión y revelar capas más profundas de significado. Este juego de desafío y respuesta conduce a una película más rica y matizada.

Cebo y revelación. El papel del editor es ofrecer “cebo” en forma de cortes alternativos o cambios estructurales, alentando al director a reaccionar y mostrar sus verdaderas intenciones. Este proceso ocurre tanto a nivel macro (eliminando escenas enteras) como micro (ajustando la duración de una toma por un solo fotograma). La calidad del cebo determina el tipo de “pez” (insights creativos) que se captura.

6. El parpadeo: una ventana al pensamiento

Esos son cortes. Después de la primera mirada, sabes que no hay razón para hacer un paneo continuo de mí a la lámpara porque sabes qué hay en medio. Tu mente cortó la escena. Primero contemplas la lámpara. Corte. Luego me contemplas a mí.

La fisiología de la percepción. El parpadeo humano, a menudo visto solo como una función fisiológica, es en realidad un mecanismo crucial para puntuar y separar pensamientos. Así como un corte en el cine crea una discontinuidad visual, el parpadeo interrumpe el flujo continuo de percepción visual, permitiendo al cerebro procesar y categorizar la información. Esta conexión entre parpadeo y pensamiento ofrece una clave para el arte de la edición.

Ritmos emocionales. La frecuencia y el momento del parpadeo no son aleatorios; están directamente ligados a nuestro estado emocional y a la naturaleza de nuestros pensamientos. Alguien enfadado y concentrado puede parpadear muy poco, mientras que quien está abrumado por emociones contradictorias puede hacerlo rápidamente. Observando el patrón de parpadeo de un actor, el editor obtiene pistas valiosas sobre el estado interior del personaje.

El corte como parpadeo. Un corte bien ubicado en una película imita la función del parpadeo, separando y puntuando ideas. El corte señala un cambio de foco, una transición de un pensamiento a otro. Comprendiendo esta relación entre parpadeo y pensamiento, el editor puede crear cortes que se sientan naturales e intuitivos, guiando la comprensión del público sobre la historia.

7. Ritmo y tempo: la firma del editor

Para ese mismo fin, una de las disciplinas que sigo es elegir el “punto de salida” de una toma marcándolo en tiempo real.

Sensibilizarse con el actor. Una tarea clave del editor es sintonizar con los ritmos de la actuación. Esto implica notar señales sutiles, como parpadeos, pausas y cambios de expresión, y usar esas señales para tomar decisiones de edición. Alineando los cortes con los ritmos naturales del actor, el editor logra una actuación más convincente y creíble.

Extender el ritmo. El papel del editor no se limita a reflejar los ritmos del actor; consiste en extender esos ritmos al tejido más amplio de la película. Esto implica encontrar maneras de transportar los patrones de pensamiento y sentimiento del actor a escenas donde no está presente, creando un tempo cohesivo y unificado para todo el filme.

Más allá del Dragnet. El sistema “Dragnet” de edición, que simplemente corta de un hablante a otro, no captura las sutilezas de una conversación real. La edición efectiva comprende las señales no verbales, los cambios de atención y las dinámicas de poder sutiles que moldean la interacción humana. Creando cortes que reflejan estas complejidades, el editor eleva la película más allá de una simple recitación de diálogos.

8. Métodos y máquinas: las herramientas moldean el pensamiento

Las herramientas que eliges para editar pueden tener un efecto determinante en el producto final.

La elección del escultor. Las herramientas de edición, ya sea una Moviola, un KEM o un Avid, influyen significativamente en el resultado final. Cada máquina ofrece un enfoque distinto al material, moldeando el proceso mental y las decisiones creativas del editor. La Moviola, con su manipulación física, fomenta un enfoque “como de arcilla”, mientras que el KEM, con su flujo lineal, promueve un enfoque “como de mármol”.

Aleatorio vs. lineal. La edición digital computarizada y la Moviola son sistemas de acceso aleatorio, que permiten al editor saltar rápidamente a cualquier punto del metraje. La edición con KEM es un sistema de acceso lineal, que obliga a recorrer el material secuencialmente. Cada método tiene ventajas y desventajas: el acceso aleatorio ofrece rapidez y flexibilidad, mientras que el lineal favorece el descubrimiento y la serendipia.

La media dorada. El sistema ideal de edición equilibra el acceso aleatorio y el lineal. Un sistema demasiado aleatorio puede llevar a perder el contexto y depender de ideas preconcebidas, mientras que uno demasiado lineal puede ser abrumador y lento. La clave es encontrar un sistema que permita tanto búsquedas eficientes como descubrimientos inesperados.

9. Proyecciones de prueba: la voz del público

Hacia el final del proceso de edición de Julia, Fred Zinnemann observó que sentía que el director y el editor, solos con la película durante meses, solo podían avanzar un noventa por ciento hacia el filme terminado —que lo que se necesitaba para el último diez por ciento era “la participación del público”, a quien veía como sus colaboradores finales.

El colaborador final. Las proyecciones de prueba ofrecen valiosa retroalimentación del público, que actúa como colaborador final en el proceso cinematográfico. Esta información ayuda a identificar puntos ciegos, corregir problemas de ritmo y asegurar que la película conecte con su audiencia. Sin embargo, es importante interpretar las reacciones con cautela, evitando respuestas impulsivas y buscando entender las causas profundas.

Dolor referido. Las reacciones del público suelen ser una forma de “dolor referido”, donde el síntoma se siente en un lugar pero la causa está en otro. Por ejemplo, si al público no le gusta una escena, el problema puede no estar en esa escena sino en algo que ocurre antes en la película. El trabajo del editor es diagnosticar la raíz del problema y hacer los ajustes necesarios.

El cordón umbilical. A veces, una escena que fue esencial en el desarrollo inicial del filme puede volverse prescindible en las etapas finales de edición. Esto ocurre porque su propósito original, como conectar al director con el proyecto, ya se cumplió y su esencia permeó el resto de la película. Cortar esa escena puede ser una decisión difícil, pero fortalece la narrativa global.

10. La edición digital: amanece una nueva era

Ahora, a comienzos del siglo veintiuno, la edición cinematográfica está en plena transformación de un proceso mecánico a uno electrónico, y la Moviola se encuentra cada vez más —si es que se encuentra— como un objeto nostálgico y divertido exhibido en los vestíbulos de los departamentos de postproducción de los estudios.

El cambio inevitable. La transición de la edición mecánica a la electrónica es un cambio fundamental en el proceso cinematográfico. Aunque algunos cineastas puedan resistirse, las ventajas de la edición digital —mayor velocidad, flexibilidad y opciones creativas— son innegables. La Moviola, antes símbolo omnipresente de la edición, ahora es un relicto nostálgico.

Posibilidades astronómicas. La cantidad de formas de combinar tomas en una película es asombrosa, llegando a miles de millones y más allá. La edición digital ofrece herramientas para explorar estas posibilidades con mayor eficiencia, permitiendo experimentar con distintas estructuras y ritmos. Sin embargo, esta abundancia de opciones también exige planificación cuidadosa y una visión clara para no perderse en infinitas permutaciones.

La espada de doble filo. Aunque la edición digital ofrece muchas ventajas, también presenta nuevos desafíos. La facilidad de manipulación puede llevar a la sobreedición, la falta de contacto físico puede desconectar al editor del material, y la dependencia tecnológica puede opacar la importancia de la intuición humana y la colaboración. La clave está en aprovechar el poder de la edición digital sin perder de vista sus posibles riesgos.

Última actualización: March 24, 2025