نکات کلیدی
۱. ساخت شخصیت: تناسب و فرم
تناسب یکی از مهم‌ترین عوامل در ساخت شخصیت کارتونی است.
تناسب کلید اصلی است. هنگام خلق شخصیت‌های کارتونی، تناسب اهمیت فراوانی دارد. اندازه‌های نسبی اعضای بدن نوع شخصیت را تعیین می‌کند. برای مثال، یک شخصیت جنگجو سر کوچکی دارد و سینه‌ای بزرگ، درحالی‌که یک شخصیت بامزه تناسبات نوزاد را دارد؛ سر بزرگ و بدنی بیضی‌شکل.
اندازه سر به‌عنوان معیار. استودیوهای انیمیشن اغلب از اندازه سر به‌عنوان واحد اندازه‌گیری استفاده می‌کنند تا تناسبات شخصیت در حالت‌ها و حرکات مختلف حفظ شود. مثلاً یک خرس بامزه ممکن است سه سر ارتفاع داشته باشد، درحالی‌که یک خرس جنگجو پنج یا شش سر ارتفاع دارد.
فرم‌های دایره‌ای و گرد. شخصیت‌های کارتونی بر اساس فرم‌های دایره‌ای و گرد ساخته می‌شوند تا سادگی و پیوستگی حرکات روی صفحه نمایش بهتر حفظ شود. این فرم‌ها انیمیشن را آسان‌تر و جذاب‌تر می‌کنند. اجزای شخصیت در نقاط اتصال به‌خوبی کنار هم قرار می‌گیرند؛ سرهای دایره‌ای با بدن‌های گرد و گلابی‌شکل ترکیب می‌شوند تا جذابیت بیشتری ایجاد کنند.
۲. ساخت شخصیت‌های باورپذیر: حالت بدن و احساسات
یک «خط عمل» را از میان بخش‌های سه‌بعدی بکشید تا حالت یا حرکت سازماندهی شود.
خط عمل. برای خلق شخصیت‌های باورپذیر، ابتدا یک «خط عمل» از میان بخش‌های سه‌بعدی بکشید تا حالت یا حرکت سازماندهی شود. نقاشی را مانند سرهم‌بندی قطعات عروسک در مفاصل بسازید، طبق فرمول شخصیت. این کار شخصیت را واقعی‌تر می‌کند و واکنش‌های احساسی مخاطب را برمی‌انگیزد.
اسکلت پایه. کار را با یک اسکلت ساده شروع کنید، آزمایش کنید و تا رسیدن به بهترین طرح آن را اصلاح کنید. هنگام ساخت شخصیت آزادانه کار کنید، حجم‌های بدن را حول اسکلت شکل دهید و سپس جزئیات را اضافه کنید.
ساخت سر. سر را به‌عنوان یک حجم گرد در نظر بگیرید؛ ممکن است به شکل توپ، گلابی یا تخم‌مرغ باشد. در انیمیشن، شکل سر ممکن است در طول صحنه بارها تغییر کند. ابتدا چارچوبی با پرسپکتیو درست بکشید و سپس جزئیات را روی آن بسازید.
۳. اصول انیمیشن: خط عمل و ریتم
خط عمل پایه ریتم، سادگی و مستقیم بودن در انیمیشن است.
خط عمل. خط عمل پایه ریتم، سادگی و مستقیم بودن در انیمیشن است. انیمیشن را با خط عمل شروع کنید، سپس اسکلت و جزئیات را بکشید. این خط خیالی از میان حرکت اصلی شکل می‌گذرد و تأثیر دراماتیک را برجسته می‌کند.
ریتم و طراحی. ریتم و طراحی فرمول‌های مخفی جذابیت هنر کارتونی هستند. منحنی «S» پایه ریتم و قوس‌های مخالف ارزش زیادی برای نقاشی‌ها دارند. تکرار خطوط در بخش‌های مختلف شخصیت تضاد جالبی ایجاد می‌کند.
حرکت حجم‌های بدن. شکل‌های ساده در حرکت پیچش، چرخش و تغییر پرسپکتیو حجم‌های اصلی بدن را نشان می‌دهند. ساخت شخصیت به صورت حجم‌های سه‌بعدی انیمیشن را قابل لمس‌تر می‌کند. این مستلزم درک حرکت و تعامل حجم‌های بدن در فضای سه‌بعدی است.
۴. انواع شخصیت‌ها: بامزه، خنگ و جنگجو
در این فرمول ویژگی‌هایی را می‌بینید که همه این شخصیت‌های مغرور و دانا مشترک دارند.
شخصیت‌های بامزه. شخصیت‌های بامزه معمولاً سرهای بزرگی نسبت به بدن دارند، فرم‌های گرد و ویژگی‌های اغراق‌شده مانند پنجه‌های بزرگ یا چشم‌های بیانگر. این تناسبات حس معصومیت و آسیب‌پذیری را منتقل می‌کنند.
شخصیت‌های خنگ. شخصیت‌های خنگ معمولاً مانند یک آدم ساده و دست‌وپاچلفتی رفتار می‌کنند. ممکن است ویژگی‌های اغراق‌شده یا حرکات ناموزونی داشته باشند که جذابیت کمدی آن‌ها را افزایش می‌دهد. کلید طراحی، تجسم سادگی و دست‌وپاچلفتی بودن است.
شخصیت‌های جنگجو. شخصیت‌های سنگین و جنگجو سر کوچک، سینه یا بدن بزرگ، دست‌ها و پاهای قوی و فک و چانه برجسته دارند. این فرمول برای شخصیت‌های چهارپا مانند خرس‌ها و بولداگ‌ها نیز صدق می‌کند. این شخصیت‌ها قدرت و خشونت را منتقل می‌کنند.
۵. حالات چهره: کشش، فشردگی و حالت
سر کارتونی می‌تواند کشیده یا فشرده شود تا حالت را تقویت کند.
کشش و فشردگی. سر کارتونی می‌تواند کشیده یا فشرده شود تا حالت چهره را تقویت کند. بیضی چشم‌ها تغییر زیادی نمی‌کند، اما ناحیه دهان بسیار متغیر است. جزئیات کوچک همراه با فرم بزرگ‌تر واکنش نشان می‌دهند.
حالات دست. دست‌های کارتونی کشیدن دشواری دارند، اما می‌توانند با یک حالت ساده داستان کاملی را بیان کنند. انگشتان باید نامنظم قرار بگیرند تا حالت یکنواخت ایجاد نشود. ابتدا مانند یک دستکش بکشید، سپس انگشتان را اضافه کنید.
حالات چهره. کار انیماتور مانند بازیگر در فیلم‌های زنده است. هر دو باید استاد نمایش احساسات باشند. مطالعه حالات چهره خود در آینه ضروری است. یک شخصیت آشنا را انتخاب کنید و حالات مختلف را با او تمرین کنید.
۶. اصول حرکت: پیش‌بینی و واکنش
حرکتی مانند تاب خوردن آونگ بین دو موقعیت افراطی انجام می‌شود.
پیش‌بینی-عمل-واکنش. حرکتی مانند تاب خوردن آونگ بین دو موقعیت افراطی است. موقعیت اول پیش‌بینی است: آماده شدن، جمع شدن، کشش یا بالا رفتن. موقعیت دوم واکنش است: بازیابی حرکت که ممکن است برخورد یا کشش و آرامش باشد.
انیمیشن مستقیم. انیمیشن مستقیم شامل کشیدن حرکات پشت سر هم در یک توالی رشد است. این روش برای حرکاتی با ریتم در حرکت شخصیت‌ها استفاده می‌شود. ممکن است چندین حرکت ثانویه همزمان با زمان‌بندی و ریتم متفاوت وجود داشته باشد.
برنامه‌ریزی حالت‌ها. حرکات مشخص را با کشیدن مسیر حرکت با پرسپکتیو برنامه‌ریزی کنید، سپس همان چرخه را در موقعیت‌های پیش‌رونده ترسیم کنید. نقاشی‌های بینابینی با نمودار فاصله برنامه‌ریزی و توسط انیماتور طراحی می‌شوند. این نقاشی‌ها می‌توانند حرکت را بهبود یا تضعیف کنند.
۷. چرخه‌های راه رفتن و دویدن: دوپا و چهارپا
یک چرخه کامل برای راه رفتن دوپا شامل دو قدم است.
چرخه راه رفتن دوپا. چرخه کامل راه رفتن دوپا شامل دو قدم است. نقاشی‌ها موقعیت‌های کلیدی حرکت قدم را نشان می‌دهند تا نقاشی بعدی تکرار اولین باشد. این نقاشی‌ها می‌توانند بارها استفاده شوند تا شخصیت به هر اندازه‌ای که بخواهید راه برود.
حرکت چهارپا. مقایسه‌ای از چرخه‌های اصلی حرکت چهارپا وجود دارد. برخی کامل و برخی نیمه‌چرخه‌اند. راه رفتن، تاخت، دزدکی، رژه و نوک‌پا نیمه‌چرخه‌اند. دویدن، تاخت و بو کردن چرخه‌های کامل هستند.
راه رفتن در برابر دویدن. نقاشی تماس جایی است که پا پس از بلند شدن به زمین می‌رسد. در طراحی دویدن یا راه رفتن، معمولاً این نقاشی‌های تماس ابتدا تعیین می‌شوند. آن‌ها سرعت و اندازه شخصیت را مشخص می‌کنند و بقیه حرکت حول آن‌ها ساخته می‌شود.
۸. دیالوگ و بازیگری: حالات و آواشناسی
بازیگر/انیماتور دامنه وسیعی از حالات چهره دارد.
حالات چهره. بازیگر/انیماتور دامنه وسیعی از حالات چهره دارد. هر حالت بر اساس چهار عامل است: ابروها، چشم‌ها، پلک‌ها و ناحیه دهان/گونه. همه این‌ها باید هماهنگ کار کنند.
بازیگری شخصیت در دیالوگ. نقاشی‌ها دامنه زبان بدن را تعریف می‌کنند که از بازیگران اصلی گرفته شده است. این حرکات دیالوگ را تقویت می‌کنند و باعث جذابیت سریال می‌شوند. این نقاشی‌ها واکنش شخصیت‌ها به درام در حال پیشرفت را نشان می‌دهند.
مصوت‌ها و صامت‌ها. در ادامه حالت‌های اصلی دهان در دیالوگ آمده است. صورت یک حجم کشسان است که می‌تواند برای تطبیق با حالت‌های دهان فشرده یا کشیده شود. این تضاد به انیمیشن شما کمک می‌کند. هنگام صحبت، خود را در آینه ببینید و تمرین کنید.
۹. جنبه‌های فنی: زمان‌بندی، فاصله‌گذاری و چیدمان
انیماتور «بازیگر» فیلم کارتونی است.
زمان‌بندی و فاصله‌گذاری. انیماتور «بازیگر» فیلم کارتونی است. زمان‌بندی بازیگر که بر اساس غریزه و شخصیت است، جوهر هنر است. بازیگر باید فنون را بیاموزد، مانند راه رفتن یا حرکت معنادار، هرگز بدون دلیل توقف نکند و اگر توقفی هست، تا حد امکان طولانی باشد.
لحن‌ها و ضرب‌آهنگ‌ها. داستان‌برد و فیلمنامه نقشه‌های ساخت هستند و فیلم بر اساس آن‌ها ساخته می‌شود. هر صحنه در فیلمنامه با تصویر و صدا توصیف شده است. عنوان صحنه شخصیت‌ها، صدا و نوع آن را مشخص می‌کند.
پس‌زمینه‌های ثابت. صحنه شماره ۱۲ می‌تواند چهار لایه سل و چندین پوشش داشته باشد. تپه‌های دوردست پس‌زمینه‌اند. پیش‌زمینه، مهمان‌خانه و درخت می‌توانند دو پوشش جداگانه باشند که هنگام حرکت دوربین جدا می‌شوند تا عمق ایجاد کنند.
۱۰. انیمیشن محدود: چرخه‌ها و برش‌ها
انیمیشن چرخه‌ای می‌تواند روی سل‌های بلند قرار گیرد که دوازده اینچ در هر طرف نقاشی فضا دارند.
انیمیشن چرخه‌ای. انیمیشن چرخه‌ای می‌تواند روی سل‌های بلند قرار گیرد که دوازده اینچ در هر طرف نقاشی فضا دارند. این انیمیشن می‌تواند در مرکز صحنه با حرکت پس‌زمینه استفاده شود. سل‌های مشابه روی میخ‌های متحرک می‌توانند شخصیت را در پس‌زمینه ثابت حرکت دهند.
انیمیشن محدود. انیمیشن محدود برای تلویزیون بر تقسیم شخصیت‌ها به بخش‌هایی که روی لایه‌های سل جداگانه کار می‌کنند، مبتنی است. نمونه‌هایی از تقسیمات مختلف وجود دارد. همان مجموعه سل‌های شخصیت می‌تواند در صحنه‌های مختلف استفاده شود.
برش‌های انیمیشن. برش‌های انیمیشن می‌توانند در تولید فیلم‌های انیمیشنی بسیار مقرون‌به‌صرفه باشند. حالت‌های بدن با نگرش‌های مختلف سر می‌توانند بارها و بارها در ترکیب‌های متعدد استفاده شوند. مثلاً بازوهای مختلف روی یک بدن، یا دهان، چشم و بینی‌های مختلف روی یک سر سل بدون نیاز به کشیدن مجدد کل بدن.
۱۱. ترکیب‌بندی و صحنه‌آرایی: هدایت نگاه
ترکیب‌بندی درام ابتدا نگاه را جذب می‌کند و سپس با روش‌های مختلف نگاه را به مرکز توجه هدایت می‌کند.
ترکیب‌بندی و درام. درامی که توسط ترکیب‌بندی نمایش داده می‌شود ابتدا نگاه را جذب می‌کند و سپس با روش‌های مختلف نگاه را به مرکز توجه هدایت می‌کند. شخصیت‌ها ممکن است به جلو خم شوند و به آن نگاه کنند، یا طراحی انتزاعی به آن اشاره، تقاطع، قاب‌بندی، دایره‌سازی یا خم شدن دور آن داشته باشد.
سطح چشم. سطح چشم بیننده هنگام نگاه به عظمت یا هیولاهای بزرگ از دید کرم‌چشم یا هنگام نگاه به چیزهای کوچک اهمیت دارد. ارزش سیلوئت‌ها را برای تعریف و روایت واضح داستان در دو بعد، حتی در گروه‌ها، درک کنید.
کنترل پس‌زمینه. درام دگرگونی ابزاری ارزشمند در انیمیشن است. در این صحنه، دگرگونی به دو صورت استفاده شده: افکت نورپردازی ویژه‌ای به نام «تغییر تدریجی» پس‌زمینه را از روشن به تاریک تغییر می‌دهد و چهار اژدها به یک اژدهای آتش‌افروز تبدیل می‌شوند.
آخرین به‌روزرسانی::
FAQ
1. What is "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams about?
- Comprehensive Animation Guide: "The Animator's Survival Kit" is a detailed manual on the principles, techniques, and processes of animation, written by acclaimed animator Richard Williams.
- Covers All Animation Stages: The book spans character creation, movement, acting, dialogue, technical production, and more, making it a one-stop resource for animators.
- Practical and Theoretical: It blends practical step-by-step instructions with the underlying theory and philosophy of animation.
- For All Skill Levels: The content is accessible to beginners but also offers advanced insights for experienced animators seeking to refine their craft.
2. Why should I read "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Industry Standard Reference: The book is widely regarded as an essential resource for anyone serious about animation, used by professionals and students alike.
- Learn from a Master: Richard Williams shares decades of experience, including lessons learned from legendary animators at Disney and Warner Bros.
- Step-by-Step Guidance: It provides clear, actionable instructions and visual examples for every stage of the animation process.
- Timeless Principles: The book teaches foundational animation principles that apply to both traditional hand-drawn and modern digital animation.
3. What are the key takeaways from "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Master the Basics: Understanding character construction, movement, timing, and spacing is crucial for believable animation.
- Importance of Planning: Effective animation requires careful planning, including rough sketches, key poses, and in-between drawings.
- Expressive Acting: Animators must think like actors, using body language, facial expressions, and timing to convey emotion and personality.
- Technical Know-How: The book demystifies technical aspects like exposure sheets, camera setups, and the use of cels and backgrounds.
4. How does Richard Williams define and teach character construction in "The Animator's Survival Kit"?
- Start with Simple Shapes: Williams emphasizes building characters from circular and rounded forms for ease of animation and consistency.
- Proportion and Personality: He explains how different body proportions (e.g., head size, limb thickness) create distinct character types like "cute," "goofy," or "pugnacious."
- Skeleton Foundation: Animators are encouraged to sketch rough skeletons and build up the character with masses and details, refining through multiple drafts.
- Consistency Tools: Techniques like measuring character height in "heads" and using reference drawings help maintain consistency across scenes.
5. What is the "line of action" and why is it important in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Defines Movement Flow: The "line of action" is an imaginary line that runs through a character’s pose, indicating the main direction and energy of the movement.
- Foundation for Rhythm: Williams teaches that starting with a strong line of action gives animation rhythm, simplicity, and directness.
- Enhances Drama: Accentuating the line of action strengthens the dramatic effect and makes poses more dynamic and readable.
- Planning Tool: Animators are advised to plan every figure and detail around the line of action to unify the character’s movement.
6. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams explain timing and spacing in animation?
- Timing Equals Believability: Williams stresses that timing (the number of frames for an action) determines the weight, speed, and emotion of movement.
- Spacing Patterns: The book details how even and uneven spacing between drawings affects the feel of an action—slow-in, slow-out, and staggered patterns are all explored.
- Practical Tools: He recommends using metronomes, frame counts, and spacing charts to plan and test timing before finalizing animation.
- Holds and Accents: The importance of "holds" (lingering on a pose) and accents (sudden changes in movement) is discussed for adding impact and clarity.
7. What are the core animation principles covered in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Squash and Stretch: Essential for conveying weight, flexibility, and impact in animated characters and objects.
- Anticipation, Action, Reaction: Williams explains how to set up, execute, and recover from movements for clarity and realism.
- Overlapping and Follow-Through: He teaches that different parts of a character should move at different times, creating more natural and lively animation.
- Arcs and Paths of Action: Movements should follow natural arcs rather than straight lines, and the book provides guidance on planning these paths.
8. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams approach character movement and cycles?
- Walks, Runs, and More: The book breaks down the mechanics of walking, running, sneaking, skipping, and strutting, with detailed cycle charts and key poses.
- Two-Legged and Four-Legged: Williams covers both human and animal movement, including differences in gait and body mass distribution.
- In-Betweens and Extremes: He explains how to create smooth cycles by drawing key extremes and then filling in the in-between frames.
- Adapting to Backgrounds: The book discusses how to synchronize character movement with moving backgrounds and camera pans.
9. What advice does Richard Williams give on acting, emotion, and facial expressions in "The Animator's Survival Kit"?
- Animator as Actor: Williams insists animators must "act" through their drawings, using body language and facial expressions to convey emotion and intent.
- Study Real Life: He recommends observing real people, using mirrors, and acting out scenes to understand gestures and expressions.
- Hold and Register: Key emotional poses should be held long enough for the audience to register the feeling.
- Asymmetry and Overlap: Expressions are often more dynamic and believable when they are asymmetrical and when different facial features move with slight delays.
10. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams teach dialogue and mouth movements?
- Phonetic Breakdown: The book provides charts and diagrams for mouth shapes corresponding to vowels, consonants, and diphthongs.
- Overlapping Action: Williams explains that mouth, eyes, eyebrows, and head tilts should all work together, with overlapping timing for realism.
- Timing with Sound: He covers how to sync mouth movements with recorded dialogue using exposure sheets and frame counts.
- Acting the Dialogue: Animators are encouraged to act out lines themselves, paying attention to body language and facial expressions that accompany speech.
11. What technical processes and studio setups are described in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Storyboards and Layouts: The book details how storyboards, background layouts, and exposure sheets are used to plan and coordinate animation.
- Cel Animation Process: Williams explains the step-by-step process of transferring drawings to cels, painting, and photographing them over backgrounds.
- Camera and Compound: He describes the setup and operation of animation cameras, including field sizes, pegs, and camera moves like pans and trucks.
- DIY Studio Tips: Practical advice is given for building a home animation setup, including camera stands, lighting, and inexpensive alternatives to professional equipment.
12. What are the best quotes from "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams and what do they mean?
- "The animator is the actor of the film cartoon." — Emphasizes that animators must think and perform like actors, bringing characters to life through movement and expression.
- "Never move or 'freeze' without meaning." — Stresses the importance of intentionality in every pose and action; nothing should be arbitrary.
- "Squash and stretch—your character is an elastic mass, not rigid like a glass statue." — Highlights the need for flexibility and exaggeration to create lively, believable animation.
- "Appreciate the value of a good silhouette in your key drawings." — Reminds animators that clear, readable poses are essential for storytelling and audience understanding.
- "Use these pointers to learn how to animate characters that live, have feelings, and show emotion—characters who act convincingly and sway the viewer with suspense, enchantment, and humor." — Summarizes the ultimate goal of animation: to create compelling, emotionally resonant characters.
نقد و بررسی
کتاب «راهنمای بقا برای انیماتورها» به‌عنوان منبعی ضروری برای انیماتورها، از مبتدی تا حرفه‌ای، شناخته می‌شود. خوانندگان این کتاب را به‌خاطر پوشش جامع تکنیک‌های انیمیشن، تصاویر واضح و تخصص ویلیامز ستایش می‌کنند. بسیاری آن را به‌عنوان کتاب درسی نهایی انیمیشن می‌دانند و کاربرد فراوان آن را در انیمیشن‌های سنتی و دیجیتال برجسته می‌کنند. توضیحات دقیق کتاب درباره‌ی زمان‌بندی، فاصله‌گذاری و حرکت شخصیت‌ها از ارزش ویژه‌ای برخوردار است. هرچند برخی خوانندگان به دیدگاه مردانه و مثال‌های قدیمی کتاب اشاره کرده‌اند، اما همچنان آن را به‌خاطر دانش گسترده و محتوای الهام‌بخشش به‌شدت توصیه می‌کنند.
