Cinema Speculation

1. Le Pouvoir de l'Expérience Cinématographique

C'était incroyablement excitant d'être le seul enfant dans une salle pleine d'adultes regardant un film pour adultes et d'entendre la salle rire de quelque chose que je savais généralement être un peu osé.

Expérience partagée. L'auteur souligne l'aspect communautaire de regarder des films au cinéma, surtout en tant qu'enfant parmi des adultes. Cette expérience ne se limitait pas au film lui-même, mais consistait également à observer les réactions des autres, à apprendre l'humour des adultes et à comprendre les dynamiques sociales.

Apprentissage par l'observation. Les premières expériences cinématographiques de l'auteur constituaient une forme d'éducation sociale. Il a appris comment les adultes interagissaient, ce qu'ils trouvaient drôle et comment ils réagissaient à différents types de films. Cette observation a été cruciale pour façonner sa compréhension du monde.

• Il a appris la satire grâce à Where's Poppa?
• Il a découvert l'humour adulte avec The Owl and the Pussycat
• Il a compris les réactions du public avec Dirty Harry

Au-delà de l'écran. Le cinéma était un espace où l'auteur pouvait observer les adultes dans leur "habitat naturel", apprenant leurs rituels sociaux et les choses qu'ils trouvaient drôles. Cette expérience était autant axée sur le public que sur les films eux-mêmes.

2. Le Réalisme Brut et l'Ambiguïté Morale du Nouveau Hollywood

Ce furent les premières années du Nouveau Hollywood. Ces spectateurs avaient grandi avec des films des années cinquante et soixante. Ils étaient habitués aux sous-entendus, aux insinuations, aux doubles sens et aux jeux de mots.

Défi des conventions. Les films du Nouveau Hollywood des années 1970 se sont éloignés des récits aseptisés et moralement simplistes des décennies précédentes. Ils ont embrassé un réalisme brut, une ambiguïté morale et des personnages complexes, reflétant souvent le tumulte social et politique de l'époque.

Repousser les limites. Ces films ont exploré des sujets auparavant tabous, y compris le sexe, la violence et l'injustice sociale, souvent avec une honnêteté crue et sans détour. Cette nouvelle approche a défié les attentes du public et l'a contraint à affronter des vérités inconfortables.

• Joe a exploré le conflit de classe et la violence
• Deliverance a dépeint la peur primitive et le dilemme moral
• Dirty Harry a remis en question les limites de l'application de la loi

Complexité morale. Contrairement aux héros et aux méchants bien définis du Vieux Hollywood, les films du Nouveau Hollywood présentaient souvent des personnages aux motivations imparfaites et aux actions discutables. Cette ambiguïté morale a contraint les spectateurs à se confronter à des dilemmes éthiques complexes.

3. Le Charme de McQueen et la Réinvention du Policier

Steve se voyait comme une STAR DE CINÉMA. C'était l'une des caractéristiques les plus charmantes de Steve. Il savait ce qu'il savait faire. Il savait ce que le public aimait chez lui et c'est ce qu'il voulait leur offrir.

Le dernier des véritables stars de cinéma. Steve McQueen n'était pas seulement un acteur, mais une star de cinéma qui comprenait son public et sa propre icône. Il choisissait des rôles qui lui permettaient d'être cool, charismatique et finalement victorieux.

Briser le moule. L'interprétation de McQueen de Frank Bullitt dans Bullitt a redéfini le genre du film policier. Il s'est éloigné des policiers sombres, sérieux et souvent interchangeables du passé, créant un personnage élégant, cool et parfaitement maître de lui.

• La garde-robe de Bullitt était chic et moderne
• Il avait une petite amie séduisante et une voiture stylée
• Il était émotionnellement détaché et imperturbable

Au-delà de l'intrigue. Bullitt ne se limitait pas à une histoire criminelle, mais à l'action, à l'atmosphère et à la personnalité cool de Steve McQueen. L'intrigue était secondaire par rapport à l'expérience globale de le voir en action.

4. L'Honnêteté Brutale de Siegel et la Naissance du Thriller de Tueur en Série

En matière de mise en scène de la violence, on pourrait appeler Don Siegel le Chirurgien.

Action comme violence. Les séquences d'action de Don Siegel n'étaient pas seulement un spectacle, mais la réalité brutale de la violence. Il a utilisé son expérience en montage pour créer des scènes rapides et viscérales qui choquaient et dérangeaient le public.

Le policier hors-la-loi. Les protagonistes de Siegel étaient souvent des agents de la loi rebelles qui opéraient en dehors des limites de la loi pour atteindre leur propre sens de la justice. Ce thème reflétait l'attitude rebelle de Siegel envers les dirigeants de studio et l'ordre établi.

• Grodman dans The Verdict
• Callahan dans Dirty Harry
• Coogan dans Coogan's Bluff

Le thriller de tueur en série. Dirty Harry est crédité d'avoir créé le thriller moderne de tueur en série, opposant le policier hors-la-loi d'Eastwood à un tueur calculé et dépravé. Ce film a établi de nombreux tropes qui deviendraient communs dans le genre.

5. Deliverance : Une Descente dans la Peur Primitive et le Dilemme Moral

Mais ce que l'histoire et le thème du livre de Dickey évoquent, c'est ce qui se passe après l'incident déclencheur de violence.

Au-delà des rapides. Deliverance n'est pas seulement une histoire de survie, mais une descente dans la peur primitive et un dilemme moral. Le film explore les conséquences de la violence et l'effondrement de la civilisation face à la puissance brute de la nature.

La pose macho. Le personnage de Burt Reynolds, Lewis, incarne une pose macho qui se révèle finalement être une façade. Il n'est pas le survivaliste qu'il prétend être, et ses actions mènent souvent à des conséquences désastreuses.

• Il est plein de faits consommés, plutôt que de sagesse tirée de l'expérience
• C'est un sportif, pas un survivaliste
• Il a plus de courage que de réflexion, plus d'opinion que de connaissance

Les conséquences de la violence. Le véritable focus du film est sur les conséquences de la scène de viol et les choix moraux que les personnages doivent faire. Il explore les complexités de la culpabilité, de la responsabilité et la lutte pour maintenir son humanité face à une violence extrême.

6. Le Coup de Maître de Peckinpah : Une Histoire d'Amour au Milieu du Chaos

L'empreinte de Steve McQueen, de Sam Peckinpah, des cascadeurs, des lieux, et de toute cette virilité était si excitante... et cela n'a jamais été reproduit.

Au-delà du crime. The Getaway n'est pas seulement un thriller criminel, mais une histoire d'amour sur fond de chaos et de violence. Le film explore la relation complexe entre Doc et Carol, alors qu'ils naviguent dans un monde de trahison, de danger et d'incertitude.

Le charisme de McQueen. La performance de Steve McQueen en tant que Doc McCoy est un modèle d'acteur minimaliste. Il incarne une personnalité cool et stoïque qui est à la fois captivante et énigmatique.

• Il ne surjoue pas
• Il n'explique pas ses actions
• Il est tout simplement lui-même

Une romance vouée à l'échec. Malgré la violence et le chaos, le film se concentre finalement sur le lien entre Doc et Carol. Leur relation est mise à l'épreuve par la trahison et la méfiance, mais ils trouvent finalement un moyen de se connecter et de survivre ensemble.

7. The Outfit : Une Étude sur la Justice Hors-la-loi et la Subversion du Genre

Je pense que je SUIS ce personnage. Certainement que je suis dans les studios !

Le protagoniste emblématique de Siegel. Les films de Don Siegel présentent souvent des agents de la loi rebelles qui opèrent en dehors des limites de la loi pour atteindre leur propre sens de la justice. Ce thème reflète l'attitude rebelle de Siegel envers l'autorité.

Une approche épurée. The Outfit est un film d'action efficace et dépouillé qui subvertit les conventions du genre. Il élimine le mélodrame et se concentre sur la réalité brute et violente.

• Les personnages sont originaux
• L'action est habilement exécutée
• L'histoire est simple et directe

Iconoclasme. Les protagonistes de Siegel, qu'ils soient policiers ou criminels, vont souvent à l'encontre des règles, défiant l'ordre établi et agissant selon leurs propres règles. Cet iconoclasme reflète la relation de Siegel avec le système des studios.

8. Kevin Thomas : Champion des Opprimés et du Cinéma de Genre

L'importance de Neile McQueen pour le succès de Steve en tant que star de cinéma ne peut être surestimée.

Un héros de seconde zone. Kevin Thomas, critique de seconde zone pour le Los Angeles Times, était un champion des opprimés et du cinéma de genre. Il a reconnu le talent et le potentiel des films d'exploitation à petit budget souvent négligés par d'autres critiques.

Une voix pour les sans-voix. Thomas a donné une plateforme aux cinéastes souvent marginalisés par la presse grand public. Il a loué leur créativité, leurs compétences techniques et leur capacité à se connecter avec le public.

• Il a soutenu les premiers travaux de Jonathan Demme
• Il a reconnu le talent de Tobe Hooper
• Il a apprécié l'art de Russ Meyer

Au-delà de la surface. Thomas a regardé au-delà de la surface des films d'exploitation, reconnaissant leur mérite artistique et leur capacité à refléter les angoisses sociales et culturelles de l'époque. Il était un champion du genre, pas seulement un fan.

9. Les Auteurs contre les Brats : Un Changement Générationnel à Hollywood

Je pense que je SUIS ce personnage. Certainement que je suis dans les studios !

Un choc de styles. L'ère du Nouveau Hollywood a vu un changement générationnel dans le cinéma, avec les Auteurs anti-establishment des années 60 cédant la place aux Movie Brats. Ces deux groupes avaient des approches différentes du cinéma, des influences différentes et des objectifs différents.

Les Auteurs anti-establishment. Ce groupe de cinéastes, dont Robert Altman, Sam Peckinpah et Arthur Penn, a été influencé par le cinéma d'art européen et le mouvement contre-culturel. Ils cherchaient à défier les conventions d'Hollywood et à explorer des thèmes sociaux et politiques complexes.

• Ils rejetaient la moralité du Vieux Hollywood
• Ils embrassaient le réalisme brut et l'ambiguïté morale
• Ils utilisaient souvent des décors historiques pour commenter des problèmes contemporains

Les Movie Brats. Ce groupe de cinéastes, dont Francis Ford Coppola, Martin Scorsese et Steven Spielberg, était formé dans des écoles de cinéma et avait grandi en regardant des films à la télévision. Ils étaient plus intéressés par le cinéma de genre et la création de divertissements plaisants.

• Ils embrassaient les films de genre
• Ils étaient influencés à la fois par Hollywood et le cinéma européen
• Ils étaient plus intéressés par la technique et le style

Une nouvelle ère. Les Movie Brats ont finalement dominé Hollywood, ouvrant la voie à une nouvelle ère de films à succès qui étaient à la fois techniquement sophistiqués et commercialement réussis.

10. Les Thrillers Hitchcockiens de De Palma et le Pouvoir de la Technique

Steve dirait : « Qu'il dise ça. Je vais être ici à éplucher une pomme. »

Technique avant substance. Brian De Palma n'était pas aussi intéressé par les thèmes des films d'Hitchcock que par ses techniques cinématographiques. Il a utilisé les méthodes d'Hitchcock de suspense et de manipulation du public pour créer sa propre marque unique de thrillers.

Un maître du suspense. Les films de De Palma sont connus pour leurs séquences élaborées, leur utilisation du split-screen et leurs angles de caméra voyeuristes. Il était un maître de la création de tension et de suspense par des moyens purement cinématographiques.

• Il utilisait des plans longs et des ralentis
• Il employait des angles de caméra subjectifs
• Il utilisait souvent la musique pour intensifier la tension

Une approche commerciale. Contrairement à certains de ses contemporains, De Palma était toujours conscient du potentiel commercial de ses films. Il utilisait ses compétences techniques pour créer des films à la fois artistiquement ambitieux et commercialement viables.

11. L'Héritage Durable de la Vision Sombre de Taxi Driver

J'ai adoré Dirty Harry, même si j'en étais horrifié. Une terrible pièce de déchets dont Don Siegel a vraiment tiré quelque chose. J'ai détesté ce qu'il disait, mais le jour où je l'ai vu, le public applaudissait.

Une descente dans la folie. Taxi Driver n'est pas seulement un thriller criminel, mais une plongée dans l'esprit d'un homme perturbé et aliéné. Le film explore les thèmes de la solitude, de la paranoïa et du pouvoir séduisant de la violence.

Un protagoniste imparfait. Travis Bickle n'est pas un héros, mais un personnage profondément imparfait et troublé. Son racisme, son misogynie et ses fantasmes violents en font un personnage difficile à sympathiser.

• Il est raciste
• Il est solitaire
• Il est une bombe à retardement

Une critique du vigilantisme. Le film subvertit les conventions du genre du vigilantisme, présentant un protagoniste qui n'est pas un vengeur juste, mais un individu profondément perturbé qui est finalement consumé par sa propre rage.

12. Paradise Alley : Le Projet Passion de Stallone et un Regard sur le Passé

Dans une certaine mesure, j'ai passé toute ma vie depuis à la fois à assister à des films et à en faire, essayant de recréer l'expérience de regarder un tout nouveau film de Jim Brown, un samedi soir, dans un cinéma noir en 1972.

Une vision personnelle. Paradise Alley est un film profondément personnel pour Sylvester Stallone, reflétant son amour pour les vieux films, sa fascination pour le passé et ses propres racines de classe ouvrière. C'est un film qui est à la fois un hommage au passé et une vitrine de ses propres talents uniques.

Un mélange de genres. Le film combine des éléments du film de gangster, du film de boxe et du film d'époque, créant une expérience cinématographique unique et souvent bizarre. C'est un film à la fois drôle et tragique, sentimental et cynique.

• C'est une lettre d'amour aux East Side Kids
• C'est une vitrine pour l'écriture et le jeu d'acteur de Stallone
• C'est une célébration de la classe ouvrière

Un chef-d'œuvre imparfait. Bien que Paradise Alley ne soit pas un film parfait, c'est une œuvre passionnée et ambitieuse qui révèle la vision unique de son créateur. C'est un film à la fois profondément personnel et largement attrayant, un témoignage du pouvoir du cinéma pour nous transporter vers d'autres temps et lieux.

Dernière mise à jour: May 4, 2025