Points clés
1. Construction du personnage : proportion et forme
LA PROPORTION EST L’UN DES ÉLÉMENTS LES PLUS ESSENTIELS À PRENDRE EN COMPTE LORS DE LA CRÉATION D’UN PERSONNAGE DE DESSIN ANIMÉ.
La proportion est primordiale. Lorsqu’on conçoit des personnages de dessin animé, la proportion joue un rôle central. La taille relative des différentes parties du corps détermine le type de personnage. Par exemple, un personnage bagarreur aura une petite tête et une poitrine large, tandis qu’un personnage mignon reprendra les proportions d’un bébé avec une grosse tête et un corps ovale.
La taille de la tête comme unité de mesure. Les studios d’animation utilisent souvent la taille de la tête comme unité de mesure afin de garantir la cohérence. Un ours mignon peut mesurer trois têtes de haut, alors qu’un ours bagarreur en fera cinq ou six. Cela permet de conserver des proportions constantes, quel que soit le mouvement ou la pose.
Formes circulaires et arrondies. Les personnages animés reposent sur des formes circulaires et arrondies, pour plus de simplicité et une meilleure fluidité à l’écran. Ces formes facilitent l’animation tout en rendant le personnage plus attrayant visuellement. Les différentes parties s’assemblent aux points d’articulation, combinant des têtes rondes à des corps en forme de poire arrondie pour plus de dynamisme.
2. Créer des personnages crédibles : posture et émotion
TRACEZ UNE « LIGNE D’ACTION » À TRAVERS LES PARTIES TRIDIMENSIONNELLES POUR ORGANISER ET DÉFINIR L’ATTITUDE OU L’ACTION.
La ligne d’action. Pour donner vie à des personnages crédibles, commencez par tracer une « ligne d’action » qui traverse les volumes en trois dimensions afin d’organiser l’attitude ou le mouvement. Construisez le dessin comme si vous assembliez les parties d’une marionnette aux articulations, selon une formule précise. Cela rend le personnage convaincant et suscite une réponse émotionnelle chez le spectateur.
Fondation squelettique. Construisez le personnage à partir d’un squelette grossier, en expérimentant et en éliminant jusqu’à obtenir le meilleur dessin. Travaillez de manière lâche au départ, en développant les masses corporelles autour du squelette, puis ajoutez les détails par-dessus.
Construction de la tête. Considérez la tête comme une masse arrondie, qu’elle soit sphérique, en forme de poire ou d’œuf. En animation, la forme de la tête peut changer de perspective et de forme plusieurs fois au cours d’une scène. Simplifiez le travail en dessinant d’abord un cadre en perspective correcte, puis en construisant les détails sur cette base.
3. Bases de l’animation : ligne d’action et rythme
LA LIGNE D’ACTION EST LA BASE DU RYTHME, DE LA SIMPLICITÉ ET DE LA DIRECTIVITÉ EN ANIMATION.
La ligne d’action. La ligne d’action constitue le socle du rythme, de la simplicité et de la clarté en animation. Commencez l’animation par cette ligne, puis dessinez le squelette et les détails. Cette ligne imaginaire traverse l’action principale du personnage, accentuant l’effet dramatique.
Rythme et composition. Le rythme et la composition sont les formules secrètes qui confèrent charme et attrait à un dessin animé réussi. La courbe en « S » du rythme et les arcs opposés ont une grande valeur pour les dessins. La répétition des lignes dans différentes parties du personnage crée un contraste dynamique.
Mouvement des masses corporelles. Les figures simplifiées en mouvement illustrent les torsions, rotations et variations de perspective des masses principales du corps. Construire le personnage en volumes solides facilite la perception du mouvement. Cela implique de comprendre comment les masses corporelles se déplacent et interagissent dans l’espace tridimensionnel.
4. Types de personnages : mignon, maladroit et bagarreur
DANS CETTE FORMULE, VOUS RECONNAÎTREZ CERTAINES CARACTÉRISTIQUES COMMUNES À TOUS CES PETITS MALINS ARROGANTS.
Personnages mignons. Les personnages mignons présentent souvent une grosse tête par rapport au corps, des formes arrondies et des traits exagérés comme de grandes pattes ou des yeux expressifs. Ces proportions évoquent l’innocence et la vulnérabilité.
Personnages maladroits. Les personnages maladroits agissent souvent comme des « simples d’esprit » un peu gauche. Ils peuvent avoir des traits exagérés ou des mouvements embarrassants qui renforcent leur côté comique. L’essentiel est de concevoir un personnage incarnant la simplicité et la gaucherie.
Personnages bagarreurs. Les personnages lourds et bagarreurs ont une petite tête, une large poitrine ou un corps massif, des bras et jambes puissants, ainsi qu’une mâchoire et un menton proéminents. Cette formule s’applique aussi aux quadrupèdes, comme les ours ou les bouledogues. Ces personnages dégagent force et agressivité.
5. Expressions faciales : étirement, compression et attitude
UNE TÊTE DE DESSIN ANIMÉ PEUT ÊTRE ÉTIRÉE OU COMPRESSÉE POUR RENFORCER UNE EXPRESSION.
Étirement et compression. Une tête de dessin animé peut être étirée ou compressée pour accentuer une expression. L’ovale contenant les yeux ne change pas beaucoup, mais la zone de la bouche varie considérablement. Les petits détails réagissent en harmonie avec la forme globale.
Expressions des mains. Les mains en dessin animé sont difficiles à dessiner, mais elles peuvent raconter une histoire complète par une simple pose. Les doigts doivent être placés de manière inégale pour éviter la monotonie. Commencez comme si vous dessiniez un moufle, puis ajoutez les doigts.
Expressions faciales. Le travail de l’animateur est similaire à celui de l’acteur en prises de vues réelles. Tous deux doivent maîtriser l’art de transmettre les émotions. Étudier ses propres grimaces devant un miroir est indispensable. Choisissez un personnage que vous connaissez et explorez ses expressions.
6. Principes du mouvement : anticipation et réaction
UNE ACTION TELLE QUE LE BALANCEMENT D’UN PENDULE EST UN MOUVEMENT ENTRE DEUX POSITIONS EXTRÊMES.
Anticipation-Action-Réaction. Une action comme le balancement d’un pendule oscille entre deux positions extrêmes. La première extrémité est l’anticipation : préparation, tension, contraction, accroupissement ou élévation. La seconde extrémité est la réaction : récupération du mouvement, soit un choc, soit un étirement suivi d’un retour au calme pouvant vibrer.
Animation en progression. L’animation en progression consiste à dessiner un mouvement après l’autre dans une séquence évolutive. Cette méthode est utilisée pour les actions rythmées dans les mouvements des personnages. Plusieurs actions secondaires peuvent se superposer, chacune avec son propre timing et rythme.
Planification des poses dramatiques. Planifiez des actions bien définies en dessinant d’abord un chemin d’action en perspective, puis en réalisant le même cycle de dessin à différentes positions. Les dessins intermédiaires sont planifiés avec des tableaux d’espacement et esquissés par l’animateur. Ces intermédiaires peuvent radicalement modifier une action, l’améliorant ou la limitant.
7. Cycles de marche et de course : bipèdes et quadrupèdes
UN CYCLE COMPLET POUR UNE MARCHE BIPÈDE COMPORTE DEUX PAS.
Cycle de marche bipède. Un cycle complet pour une marche bipède comprend deux pas. Les dessins représentent les positions clés de l’action de poser le pied jusqu’à ce que le dessin suivant répète le premier. Ces dessins peuvent être réutilisés à l’infini pour faire marcher le personnage aussi loin ou longtemps que souhaité.
Mouvement quadrupède. Voici une comparaison des principaux cycles de mouvement quadrupède. Certains sont complets, d’autres des demi-cycles. Étudiez les différences dans les exemples. La marche, le trot, la furtivité, la démarche fière et la marche sur la pointe des pieds sont des demi-cycles. Le galop, le petit trot et le flairage sont des cycles complets.
Marche vs course. Le dessin de contact est celui où le pied, après avoir été levé, touche le sol. Dans la mise en scène d’une course ou d’une marche pour l’animation, ce sont généralement ces dessins de contact qui sont déterminés en premier. Ils fixent la vitesse et la taille du personnage. Le reste de l’action s’articule autour d’eux.
8. Dialogue et jeu d’acteur : expressions et phonétique
UN ACTEUR/ANIMATEUR POSSÈDE UNE GAMME ÉNORME D’EXPRESSIONS FACIALES.
Expressions faciales. Un acteur/animateur dispose d’une vaste palette d’expressions faciales. Chaque expression repose sur quatre éléments : les sourcils, les yeux, les paupières et la bouche/les joues. Tous influencent l’expression et doivent fonctionner en harmonie.
Jeu d’acteur dans le dialogue. Les dessins définissent l’éventail des expressions corporelles qui constituaient le répertoire des acteurs originaux. Ces actions renforçaient le script du dialogue, ce qui rendait la série télévisée si drôle et captivante. Ces dessins montrent les réactions des personnages face au déroulement de l’intrigue.
Voyelles et consonnes. Voici les principales expressions de la bouche utilisées dans le dialogue. Le visage est une masse élastique pouvant être compressée ou étirée pour correspondre aux expressions buccales. Cela crée un bon contraste entre les positions, facilitant l’animation. Étudiez-vous dans un miroir en prononçant les mots que vous animez.
9. Aspects techniques : timing, espacement et mise en scène
L’ANIMATEUR EST L’« ACTEUR » DU FILM D’ANIMATION.
Timing et espacement. L’animateur est l’« acteur » du dessin animé. Le timing d’un acteur, fondé sur l’instinct et la personnalité, est l’essence même de l’art. L’acteur doit apprendre son métier, savoir marcher ou bouger avec intention, ne jamais faire de pause sans raison, et si une pause est nécessaire, la prolonger au maximum.
Accents et temps forts. Le storyboard et le scénario sont les plans de construction, et le film se bâtit sur ces fondations. Chaque scène est décrite dans le scénario en termes d’image et de son. Le titre de la scène précise les personnages, le son et le type.
Décors fixes. La scène de champ n°12 peut comporter quatre niveaux de celluloïd et plusieurs superpositions. Les collines lointaines peuvent constituer l’arrière-plan. L’auberge et l’arbre au premier plan peuvent être deux superpositions distinctes. Elles peuvent se séparer lors d’un travelling avant pour donner de la profondeur.
10. Animation limitée : cycles et découpages
L’ANIMATION EN CYCLE, comme illustré en bas de cette page, peut être réalisée sur de longs celluloïds offrant douze pouces de chaque côté du dessin.
Animation en cycle. L’animation en cycle peut être réalisée sur de longs celluloïds permettant douze pouces de marge de chaque côté du dessin. Ce type d’animation peut être utilisé au centre du champ avec un panoramique en mouvement en arrière-plan. Les mêmes celluloïds placés sur des chevilles mobiles peuvent faire avancer le personnage dans une scène à décor fixe.
Animation limitée. L’animation limitée pour la télévision repose sur la division des personnages en parties fonctionnant sur des niveaux de celluloïd séparés. Voici quelques exemples des nombreuses divisions possibles. Le même ensemble de celluloïds de personnage peut être utilisé dans de nombreuses scènes.
Découpages d’animation. Les découpages d’animation sont très économiques pour produire des films animés. Les poses du corps, avec différentes attitudes de tête, peuvent être réutilisées en multiples combinaisons. Par exemple, différents bras peuvent être utilisés sur un même corps, tout comme les bouches, yeux et nez sur une seule tête en celluloïd, sans redessiner le corps entier à chaque mouvement.
11. Composition et mise en scène : diriger le regard
LE DRAME REPRÉSENTÉ PAR LA COMPOSITION CAPTE D’ABORD LE REGARD, PUIS LE DIRIGE VERS LE CENTRE D’INTÉRÊT PAR DIVERS MOYENS.
Composition et drame. Le drame mis en scène par la composition attire d’abord le regard, puis le dirige vers le centre d’intérêt grâce à divers procédés. Les personnages peuvent se tourner vers ce point et le regarder, ou le design abstrait peut le pointer, l’intersecter, l’encadrer, le cercler ou s’enrouler autour.
Niveau des yeux. Le niveau des yeux du spectateur est important, qu’il regarde une grandeur ou un monstre vu d’en bas, ou qu’il observe de petits objets vus d’en haut. Appréciez la valeur des silhouettes pour définir et raconter clairement l’histoire en deux dimensions, même en groupe elles se distinguent parfaitement.
Contrôle de l’arrière-plan. Le drame de la métamorphose est un outil précieux en animation. Dans cette scène, la métamorphose est utilisée de deux façons : un effet d’éclairage spécial appelé « fondu enchaîné » change l’arrière-plan de clair à sombre, et les quatre dragons se « transforment » en un seul dragon cracheur de feu.
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FAQ
1. What is "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams about?
- Comprehensive Animation Guide: "The Animator's Survival Kit" is a detailed manual on the principles, techniques, and processes of animation, written by acclaimed animator Richard Williams.
- Covers All Animation Stages: The book spans character creation, movement, acting, dialogue, technical production, and more, making it a one-stop resource for animators.
- Practical and Theoretical: It blends practical step-by-step instructions with the underlying theory and philosophy of animation.
- For All Skill Levels: The content is accessible to beginners but also offers advanced insights for experienced animators seeking to refine their craft.
2. Why should I read "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Industry Standard Reference: The book is widely regarded as an essential resource for anyone serious about animation, used by professionals and students alike.
- Learn from a Master: Richard Williams shares decades of experience, including lessons learned from legendary animators at Disney and Warner Bros.
- Step-by-Step Guidance: It provides clear, actionable instructions and visual examples for every stage of the animation process.
- Timeless Principles: The book teaches foundational animation principles that apply to both traditional hand-drawn and modern digital animation.
3. What are the key takeaways from "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Master the Basics: Understanding character construction, movement, timing, and spacing is crucial for believable animation.
- Importance of Planning: Effective animation requires careful planning, including rough sketches, key poses, and in-between drawings.
- Expressive Acting: Animators must think like actors, using body language, facial expressions, and timing to convey emotion and personality.
- Technical Know-How: The book demystifies technical aspects like exposure sheets, camera setups, and the use of cels and backgrounds.
4. How does Richard Williams define and teach character construction in "The Animator's Survival Kit"?
- Start with Simple Shapes: Williams emphasizes building characters from circular and rounded forms for ease of animation and consistency.
- Proportion and Personality: He explains how different body proportions (e.g., head size, limb thickness) create distinct character types like "cute," "goofy," or "pugnacious."
- Skeleton Foundation: Animators are encouraged to sketch rough skeletons and build up the character with masses and details, refining through multiple drafts.
- Consistency Tools: Techniques like measuring character height in "heads" and using reference drawings help maintain consistency across scenes.
5. What is the "line of action" and why is it important in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Defines Movement Flow: The "line of action" is an imaginary line that runs through a character’s pose, indicating the main direction and energy of the movement.
- Foundation for Rhythm: Williams teaches that starting with a strong line of action gives animation rhythm, simplicity, and directness.
- Enhances Drama: Accentuating the line of action strengthens the dramatic effect and makes poses more dynamic and readable.
- Planning Tool: Animators are advised to plan every figure and detail around the line of action to unify the character’s movement.
6. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams explain timing and spacing in animation?
- Timing Equals Believability: Williams stresses that timing (the number of frames for an action) determines the weight, speed, and emotion of movement.
- Spacing Patterns: The book details how even and uneven spacing between drawings affects the feel of an action—slow-in, slow-out, and staggered patterns are all explored.
- Practical Tools: He recommends using metronomes, frame counts, and spacing charts to plan and test timing before finalizing animation.
- Holds and Accents: The importance of "holds" (lingering on a pose) and accents (sudden changes in movement) is discussed for adding impact and clarity.
7. What are the core animation principles covered in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Squash and Stretch: Essential for conveying weight, flexibility, and impact in animated characters and objects.
- Anticipation, Action, Reaction: Williams explains how to set up, execute, and recover from movements for clarity and realism.
- Overlapping and Follow-Through: He teaches that different parts of a character should move at different times, creating more natural and lively animation.
- Arcs and Paths of Action: Movements should follow natural arcs rather than straight lines, and the book provides guidance on planning these paths.
8. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams approach character movement and cycles?
- Walks, Runs, and More: The book breaks down the mechanics of walking, running, sneaking, skipping, and strutting, with detailed cycle charts and key poses.
- Two-Legged and Four-Legged: Williams covers both human and animal movement, including differences in gait and body mass distribution.
- In-Betweens and Extremes: He explains how to create smooth cycles by drawing key extremes and then filling in the in-between frames.
- Adapting to Backgrounds: The book discusses how to synchronize character movement with moving backgrounds and camera pans.
9. What advice does Richard Williams give on acting, emotion, and facial expressions in "The Animator's Survival Kit"?
- Animator as Actor: Williams insists animators must "act" through their drawings, using body language and facial expressions to convey emotion and intent.
- Study Real Life: He recommends observing real people, using mirrors, and acting out scenes to understand gestures and expressions.
- Hold and Register: Key emotional poses should be held long enough for the audience to register the feeling.
- Asymmetry and Overlap: Expressions are often more dynamic and believable when they are asymmetrical and when different facial features move with slight delays.
10. How does "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams teach dialogue and mouth movements?
- Phonetic Breakdown: The book provides charts and diagrams for mouth shapes corresponding to vowels, consonants, and diphthongs.
- Overlapping Action: Williams explains that mouth, eyes, eyebrows, and head tilts should all work together, with overlapping timing for realism.
- Timing with Sound: He covers how to sync mouth movements with recorded dialogue using exposure sheets and frame counts.
- Acting the Dialogue: Animators are encouraged to act out lines themselves, paying attention to body language and facial expressions that accompany speech.
11. What technical processes and studio setups are described in "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams?
- Storyboards and Layouts: The book details how storyboards, background layouts, and exposure sheets are used to plan and coordinate animation.
- Cel Animation Process: Williams explains the step-by-step process of transferring drawings to cels, painting, and photographing them over backgrounds.
- Camera and Compound: He describes the setup and operation of animation cameras, including field sizes, pegs, and camera moves like pans and trucks.
- DIY Studio Tips: Practical advice is given for building a home animation setup, including camera stands, lighting, and inexpensive alternatives to professional equipment.
12. What are the best quotes from "The Animator's Survival Kit" by Richard Williams and what do they mean?
- "The animator is the actor of the film cartoon." — Emphasizes that animators must think and perform like actors, bringing characters to life through movement and expression.
- "Never move or 'freeze' without meaning." — Stresses the importance of intentionality in every pose and action; nothing should be arbitrary.
- "Squash and stretch—your character is an elastic mass, not rigid like a glass statue." — Highlights the need for flexibility and exaggeration to create lively, believable animation.
- "Appreciate the value of a good silhouette in your key drawings." — Reminds animators that clear, readable poses are essential for storytelling and audience understanding.
- "Use these pointers to learn how to animate characters that live, have feelings, and show emotion—characters who act convincingly and sway the viewer with suspense, enchantment, and humor." — Summarizes the ultimate goal of animation: to create compelling, emotionally resonant characters.
Avis
Le Guide de Survie de l’Animateur est unanimement reconnu comme une ressource incontournable pour les animateurs, qu’ils soient novices ou confirmés. Les lecteurs saluent sa couverture exhaustive des techniques d’animation, ses illustrations limpides et l’expertise de Williams. Nombre d’entre eux le considèrent comme le manuel de référence en animation, soulignant son utilité tant pour l’animation traditionnelle que numérique. Les explications détaillées sur le rythme, l’espacement et les mouvements des personnages sont particulièrement appréciées. Certains relèvent une perspective plutôt masculine et des exemples un peu datés, mais recommandent néanmoins vivement cet ouvrage pour la richesse de son savoir et son contenu inspirant.
