L'Art du jeu

1. Le jeu transcende le moi : il s’agit de la pièce, pas de vous

Au cours des prochains mois, vous m’entendrez répéter que le jeu d’acteur ne concerne pas votre personne.

Au-delà de l’ego. Stella Adler insiste sur le fait que le véritable jeu d’acteur ne consiste pas en une expression personnelle ou une indulgence de soi, mais en un service rendu à la pièce et à la vision du dramaturge. L’acteur doit se défaire de son ego et se concentrer sur l’incarnation du personnage dans le contexte de l’histoire. Cela exige une compréhension profonde du texte et la capacité de subordonner ses sentiments personnels aux exigences du rôle.

Au service du dramaturge. La responsabilité première de l’acteur est de donner vie aux idées du dramaturge, non de mettre en avant sa propre personnalité ou ses expériences. Cela implique de s’immerger dans l’univers de la pièce, de comprendre les motivations du personnage et de s’engager pleinement dans les actions qui font avancer le récit. L’acteur devient alors le vecteur du message du dramaturge, transmettant l’histoire avec clarté et conviction.

Des vérités universelles. En se concentrant sur la pièce plutôt que sur soi-même, l’acteur peut toucher des vérités universelles qui résonnent auprès des spectateurs, quelles que soient les époques et les cultures. Cela demande d’explorer des thèmes complexes, d’affronter des émotions difficiles et de remettre en question ses propres certitudes. Le parcours de l’acteur devient une quête de compréhension, une recherche de sens qui dépasse l’individu pour parler à la condition humaine.

2. Adoptez un égoïsme honorable : priorisez votre progression

Vous devez faire preuve d’un égoïsme honorable à cent pour cent envers vous-même.

Nourrir l’instrument. Adler prône un « égoïsme honorable » où l’acteur place sa propre croissance et son développement au premier plan. Cela signifie consacrer du temps et de l’énergie à perfectionner son art, à élargir ses connaissances et à cultiver son imagination. Il s’agit d’investir en soi pour devenir un artiste plus compétent et polyvalent.

Laisser le monde extérieur à la porte. Pour s’immerger pleinement dans le travail, l’acteur doit apprendre à se détacher des distractions et préoccupations du monde extérieur. Cela demande un effort conscient pour créer un espace où il peut se concentrer sur la tâche à accomplir, libéré des soucis personnels et des pressions extérieures. C’est un sanctuaire dédié à la créativité et à l’exploration.

Indépendance et assurance. L’objectif ultime est d’atteindre l’indépendance vis-à-vis des enseignants, metteurs en scène et validations extérieures. Cela nécessite de développer une solide estime de soi et une confiance en ses capacités. Il s’agit de cultiver une boussole intérieure qui guide les choix de l’acteur et lui permet de collaborer efficacement sans sacrifier son intégrité artistique.

3. Tradition et formation : l’héritage de l’acteur

Vous êtes ici pour apprendre une tradition vieille de deux millénaires.

Un legs d’artisanat. Adler souligne que le jeu d’acteur est une profession ancestrale, dont les racines plongent dans la Grèce antique. Les acteurs d’aujourd’hui héritent d’un riche patrimoine de littérature dramatique, de techniques de jeu et d’idéal artistiques. Comprendre cette tradition est essentiel pour développer une profonde appréciation de l’art et un sens des responsabilités envers son avenir.

La salle de classe comme creuset. Dans un monde où les acteurs sont souvent propulsés sous les projecteurs sans formation adéquate, la salle de classe devient un espace vital d’apprentissage et de progression. C’est là que se peaufinent les compétences, s’explorent les techniques et se bâtit une base solide pour une carrière durable. Si l’expérience sur le terrain est précieuse, la formation formelle offre la structure et l’encadrement nécessaires pour naviguer dans les complexités du métier.

Au-delà du coin de la rue. Adler met en garde contre le risque de se limiter aux frontières étroites de sa propre génération ou de ses expériences personnelles. Le véritable acteur doit cultiver une compréhension large de l’histoire, de la culture et de la nature humaine. Cela implique un engagement envers l’apprentissage tout au long de la vie, une ouverture à l’exploration de mondes inconnus et un profond respect pour les traditions du passé.

4. Les actions parlent plus fort que les mots : l’essence du réalisme

Jouer, c’est faire.

La vérité dans l’action. Adler insiste sur le fait que le jeu d’acteur ne consiste pas à feindre ou imiter, mais à accomplir des actions vraies dans les circonstances données. Cela demande une compréhension profonde des motivations du personnage et un engagement à incarner ses actions avec authenticité et conviction. Il s’agit de faire, pas seulement de dire.

Des actions réalisables. La clé d’un jeu efficace est de décomposer les scènes complexes en une série de petites actions réalisables. Cela permet à l’acteur de se concentrer sur l’instant présent, de répondre sincèrement aux circonstances et aux partenaires de jeu. Il s’agit de trouver la logique physique et émotionnelle qui sous-tend le comportement du personnage.

Au-delà de l’imitation. Adler met en garde contre la simple imitation des comportements quotidiens. Le vrai jeu exige de saisir l’essence d’une action et de l’amplifier pour la scène. Cela signifie faire des choix plus précis, plus intenses et plus intéressants que ce que l’on pourrait observer dans la vie réelle. Il s’agit d’élever l’ordinaire à l’extraordinaire.

5. Le pouvoir de l’imagination : voir au-delà du visible

Votre imagination est votre capacité à évoquer ce que vous n’avez jamais pensé.

L’œil intérieur. Adler souligne l’importance de développer une imagination vive comme outil pour créer des personnages et des univers crédibles. Cela implique de cultiver la faculté de voir au-delà du visible, d’invoquer images, sons et sensations qui donnent vie à la pièce. Il s’agit de puiser dans le vaste réservoir de l’expérience humaine pour alimenter le processus créatif.

Défictionnaliser la fiction. Le rôle de l’acteur est de prendre les mots du dramaturge et de les transformer en une réalité tangible. Cela demande d’embrasser l’illogique, d’explorer l’inattendu et de créer un monde à la fois crédible et captivant. Il s’agit de rendre possible ce qui semble impossible.

Au-delà de l’expérience personnelle. Adler met en garde contre la tentation de ne s’appuyer que sur ses propres expériences comme source d’inspiration. Le véritable acteur doit pouvoir imaginer des mondes et des personnages éloignés de sa propre vie. Cela exige un engagement dans la recherche, une ouverture à la découverte de cultures inconnues et une profonde empathie pour la condition humaine.

6. Force et discipline : les fondations de l’acteur

Pour vivre pleinement le métier d’acteur, on ne peut pas venir avec un corps brisé.

L’instrument de l’acteur. Adler insiste sur le fait que le corps de l’acteur est son instrument, qu’il faut maintenir en parfait état. Cela demande un engagement envers la forme physique, une posture adéquate et un entraînement vocal. Il s’agit de cultiver un instrument fort et souple, capable de répondre aux exigences du rôle.

S’élever. L’acteur doit développer une présence physique qui capte l’attention et dégage de l’autorité. Cela signifie se tenir droit, parler clairement et se mouvoir avec intention. Il s’agit de projeter une image de force et de confiance qui attire le public dans l’univers de la pièce.

Au-delà de la désinvolture. Adler met en garde contre la légèreté et l’indulgence qui peuvent nuire au travail de l’acteur. Le véritable artiste doit cultiver la discipline, l’ordre et un profond respect pour la tradition. Il s’agit d’embrasser la rigueur du métier et de s’engager à l’excellence dans tous les aspects de la performance.

7. Les circonstances définissent la vérité : la boussole de l’acteur

La vérité en art est la vérité dans les circonstances, et la première circonstance, celle qui gouverne tout, est : Où suis-je ?

La question fondamentale. Adler souligne que la première question que doit se poser un acteur face à une scène est : « Où suis-je ? » Cela exige une compréhension approfondie du lieu de la pièce, de la relation du personnage à ce lieu et des circonstances précises qui font avancer l’action. Il s’agit d’ancrer la performance dans une réalité tangible.

Créer le monde. L’acteur doit être capable de créer un univers vivant et détaillé autour de lui, même s’il n’existe que dans son imagination. Cela implique d’être attentif aux détails sensoriels, de comprendre le contexte social et historique, et de faire des choix cohérents avec le passé et les motivations du personnage. Il s’agit de bâtir un environnement crédible qui soutient la performance.

Éviter le faux-semblant. Adler met en garde contre la simulation ou la feinte sur scène. Le vrai jeu exige une compréhension profonde des circonstances et un engagement à y répondre avec sincérité. Il s’agit de trouver la connexion authentique entre le personnage et son monde, et de laisser cette connexion guider la performance.

8. Les accessoires comme partenaires : créer une réalité tangible

Tout vous répondra.

Au-delà de simples objets. Adler insiste sur le fait que les accessoires ne sont pas de simples éléments décoratifs, mais des partenaires actifs dans la scène. L’acteur doit développer une compréhension profonde de l’histoire, de la fonction et du potentiel d’interaction de chaque accessoire. Il s’agit de transformer des objets inanimés en partenaires significatifs du récit.

La vie des choses. Chaque accessoire a une histoire à raconter, et c’est à l’acteur de la découvrir et de la faire vivre. Cela implique de rechercher les origines de l’objet, de comprendre sa signification culturelle et d’explorer son potentiel symbolique. Il s’agit d’imprégner l’objet d’un sens historique et d’une finalité.

Imagination et vérité. L’acteur doit utiliser son imagination pour créer une relation tangible avec chaque accessoire, même s’il s’agit d’une simple chaise ou d’une tasse. Cela passe par l’exploration de la texture, du poids et des possibilités d’interaction de l’objet. Il s’agit de rendre l’objet réel et de le laisser nourrir les actions et émotions du personnage.

9. Contrôles et techniques : maîtriser l’instrument

La technique est avant tout une manière de contrôler ce que nous faisons sur scène.

Au-delà de l’émotion brute. Adler souligne que la technique ne consiste pas à réprimer l’émotion, mais à la canaliser efficacement. Cela implique de développer un ensemble d’outils et de stratégies pour maîtriser le corps, la voix et l’imagination. Il s’agit de dompter l’instrument pour qu’il réponde aux exigences du rôle.

Maîtrise physique et vocale. L’acteur doit cultiver une conscience profonde de ses capacités physiques et vocales. Cela passe par un entraînement du corps à se mouvoir avec grâce et précision, et par le développement d’une voix expressive et puissante. Il s’agit d’affiner l’instrument pour qu’il puisse transmettre toute la palette des émotions humaines.

Le pouvoir des contrôles. Adler introduit le concept de « contrôles » comme moyen d’accéder à des états physiques et émotionnels spécifiques. Cela passe par l’utilisation de techniques telles que les accents, la posture et les gestes pour façonner le comportement du personnage. Il s’agit de trouver les clés qui ouvrent le monde intérieur du personnage.

10. L’universel dans le particulier : trouver la grandeur épique

Quand vous abordez un grand auteur, vous devez être à la hauteur de ce qui est grand en lui.

Au-delà du banal. Adler insiste sur le fait que le jeu d’acteur ne consiste pas à simplement représenter la vie quotidienne, mais à l’élever à un niveau supérieur de signification. Cela demande la volonté d’explorer des thèmes universels, de se confronter à des questions profondes et de toucher le public sur un plan émotionnel intense. Il s’agit de trouver la grandeur épique dans l’ordinaire.

La vision du dramaturge. L’acteur doit s’efforcer de comprendre la vision du dramaturge et de l’incarner avec clarté et conviction. Cela implique de s’immerger dans le texte, de rechercher le contexte historique et social, et de faire des choix cohérents avec les intentions de l’auteur. Il s’agit de servir l’histoire, pas seulement le personnage.

Le pouvoir des idées. Adler rappelle que le jeu ne se limite pas aux émotions, mais porte aussi des idées. L’acteur doit être capable d’articuler des concepts complexes, de participer à des débats intellectuels et de transmettre le poids de l’histoire humaine. Il s’agit d’utiliser la scène comme plateforme pour explorer les grandes questions de la vie.

11. La radiographie sociale : le théâtre comme miroir de la société

Le mot théâtre vient du grec. Il signifie le lieu du regard. C’est l’endroit où les gens viennent voir la vérité sur la vie et la situation sociale.

Reflet de la réalité. Adler souligne que le théâtre est un miroir de la société, reflétant ses vérités, ses défauts et son potentiel de changement. Les acteurs ont la responsabilité de s’engager dans les enjeux sociaux et politiques de leur temps et d’utiliser leur art pour favoriser la compréhension et l’empathie. Il s’agit de tendre un miroir au monde et d’inviter le public à se voir sous un nouveau jour.

Au-delà du divertissement. Le théâtre n’est pas qu’un simple divertissement, mais un outil puissant de commentaire social et de transformation. Les acteurs doivent être prêts à remettre en question le statu quo, à interroger l’autorité et à dire la vérité au pouvoir. Il s’agit d’utiliser la scène comme tribune pour la justice sociale et le changement.

Moralité et justice. Adler rappelle que le théâtre a une longue tradition d’exploration des dilemmes moraux et éthiques. Les acteurs doivent être prêts à affronter des questions complexes, à remettre en cause leurs propres convictions et à inviter le public à faire de même. Il s’agit d’utiliser la scène comme forum d’enquête morale et de progrès social.

12. La responsabilité de l’acteur : reprendre la première place

Je veux que vous fassiez de lui à nouveau l’élément le plus fort du théâtre.

Au-delà de l’interprétation. Adler invite les acteurs à dépasser la simple interprétation des mots du dramaturge pour devenir des créateurs actifs à part entière. Cela demande une compréhension profonde du texte, une forte estime de soi et la volonté de prendre des risques. Il s’agit de reconquérir la place légitime de l’acteur comme force centrale du processus théâtral.

Force morale. Les acteurs ont le pouvoir de transmettre une force morale, d’aider les gens à comprendre que même une poignée de main a une signification morale. Il n’y a pas de limite à ce qu’un acteur peut faire ressentir et comprendre à un public.

Reprendre la scène. Adler exhorte les acteurs à reprendre leur position d’élément le plus fort du théâtre, défiant la domination des auteurs, des décorateurs et des metteurs en scène. Cela exige un engagement vers l’excellence, la volonté de prendre des risques et une foi profonde dans la puissance de l’art de l’acteur. Il s’agit de s’approprier la scène et de l’utiliser pour créer des expériences transformatrices pour le public.