نکات کلیدی
1. نظریه موسیقی: جوهر صدا
شاید شما درباره‌ی آزمایش‌های دانشمند و آکوستیک‌دان ارنست کلادنی شنیده‌اید که با قرار دادن شن بر روی صفحات فلزی، کشف کرد که وقتی این صفحات با آرشه ویولن نواخته می‌شوند، شن به الگوهای هندسی منظم شکل می‌گیرد.
موسیقی در مقابل نویز. موسیقی از طریق امواج صوتی منظم و الگو دار از نویز متمایز می‌شود و تن‌هایی را ایجاد می‌کند که به گوش انسان خوشایند است. در حالی که نویز بی‌نظم و درهم است، موسیقی نظم و دوره‌ای بودن را به نمایش می‌گذارد و تجربه‌ای عمیق‌تر از زیبایی را ارائه می‌دهد. این تمایز برای موسیقیدانان کامپیوتری که به دنبال ساخت قطعات جذاب هستند، حیاتی است.
پارامترهای تن موسیقی. تن موسیقی با سه پارامتر کلیدی تعریف می‌شود: گام (فرکانس)، شدت (دامنه) و کیفیت تن (شکل موج). گام تعیین می‌کند که یک نت چقدر بالا یا پایین به نظر می‌رسد، شدت بلندی آن را مشخص می‌کند و کیفیت تن، یا تمبر، سازهایی را که همان نت را می‌نوازند، متمایز می‌کند. درک این پارامترها امکان دستکاری دقیق صدا در تولید موسیقی را فراهم می‌آورد.
سنتز و شکل موج‌ها. سنتز، تقلید صداها از طریق وسایل الکترونیکی، به نوسان‌سازها برای تولید فرکانس‌ها و محتوای هارمونیک وابسته است. شکل موج‌های پایه مانند سینوسی، مربعی، مثلثی و دندانه‌دار هر کدام ویژگی‌های تمبری منحصر به فردی دارند و به عنوان بلوک‌های سازنده برای ایجاد صداهای متنوع در موسیقی الکترونیک عمل می‌کنند. تسلط بر این عناصر برای خلق مناظر صوتی منحصر به فرد و جذاب ضروری است.
2. نت‌ها و ناوبری کیبورد
مهم است که هر موسیقیدان کامپیوتری نام‌های نت‌های مختلف در گام صوتی را هر چه زودتر یاد بگیرد.
یافتن نت C. کلید سفیدی که در سمت چپ هر گروه از دو کلید سیاه قرار دارد، مهم‌ترین نت برای یادگیری است. این نت به عنوان نقطه مرجع برای ناوبری در کیبورد و درک روابط موسیقایی عمل می‌کند. شناسایی این الگو اولین قدم برای شناسایی تمام نت‌های گام است.
الفبای موسیقی. الفبای موسیقی شامل هفت حرف است: A، B، C، D، E، F و G. پس از یافتن C، بقیه کلیدهای سفید به راحتی با پیروی از این توالی نام‌گذاری می‌شوند. این دانش برای درک گام‌ها، آکوردها و کلیدها بنیادی است.
دیز و بمل. کلیدهای سیاه به عنوان دیز یا بمل نت‌های سفید نام‌گذاری می‌شوند. دیز یک نت را به اندازه نیم‌پرده بالا می‌برد، در حالی که بمل آن را به اندازه نیم‌پرده پایین می‌آورد. یک کلید سیاه می‌تواند دو نام داشته باشد، بسته به اینکه به عنوان دیز یا بمل در نظر گرفته شود، که معادل‌های ان هارمونیک را ایجاد می‌کند. تسلط بر این نام‌های نت برای تولید و ویرایش مؤثر موسیقی حیاتی است.
3. گام‌های ماژور: بنیاد هارمونی
گام ماژور به دلیل صدای روشن و شادابش، سنگ بنای موسیقی غربی است. درک ساختار آن برای ایجاد ملودی‌ها و هارمونی‌ها ضروری است. آسان‌ترین گام ماژور برای یادگیری، گام C ماژور است که شامل کلیدهای سفید روی کیبورد می‌باشد.
کلید و گام. کلید به نت پایه‌ای اشاره دارد که گام بر اساس آن ساخته می‌شود، در حالی که گام به مجموعه‌ای از نت‌ها در یک قطعه موسیقی اشاره دارد. به عنوان مثال، گام C ماژور از C شروع می‌شود و شامل نت‌های C، D، E، F، G، A و B است. هر نت یک شماره به عنوان نشان‌دهنده ترتیب آن در گام اختصاص داده می‌شود.
درک فواصل. فواصل فاصله‌های بین نت‌ها هستند. گام ماژور با یک الگوی خاص از تن‌ها و نیم‌پرده‌ها تعریف می‌شود: تن، تن، نیم‌پرده، تن، تن، تن، نیم‌پرده (TTSTTTS). این الگو به شما امکان می‌دهد که یک گام ماژور را بر روی هر نت بسازید و به دامنه وسیعی از کلیدها دسترسی پیدا کنید.
4. هسته ریتم: امضاهای زمانی و طول نت‌ها
ریتم در واقع در همه جا وجود دارد، هم درون و هم بیرون.
پالس و ضرب. ریتم برای موسیقی بنیادی است و زمان را به ضرب‌ها یا پالس‌های منظم تقسیم می‌کند. سرعت این ضرب‌ها به عنوان تمپو شناخته می‌شود و به ضرب در دقیقه (BPM) اندازه‌گیری می‌شود. درک پالس و تمپو برای ایجاد یک بنیاد ریتمیک محکم ضروری است.
طول نت‌ها. طول نت‌ها به صورت کسرهایی از یک نت کامل بیان می‌شوند، مانند نت‌های نیمه، ربع و هشتم. هر طول نت یک نماد مربوطه دارد. تسلط بر این نمادها و ارزش‌های کسر آنها برای نوت‌نویسی و توالی‌سازی دقیق ریتم‌ها ضروری است.
حل و کمی‌سازی. حل، ارزش نت‌ها را هنگام ترسیم آنها در یک برنامه نرم‌افزاری موسیقی تعیین می‌کند، در حالی که چسباندن به شبکه اطمینان می‌دهد که نت‌ها با ضرب هم‌راستا شوند. کمی‌سازی نواقص زمانی را در حین ضبط اصلاح می‌کند. درک طول نت‌ها برای استفاده مؤثر از این عملکردها حیاتی است.
5. اصول ویرایش نت: تجسم موسیقی
یک خط حامل بدون کلید بی‌فایده است.
نوتاسیون گام. در ویرایش نت، گام با موقعیت نت‌ها بر روی یک خط حامل، که شامل پنج خط است، نمایش داده می‌شود. یک کلید، مانند کلید سل یا فا، در ابتدای خط حامل قرار می‌گیرد تا دامنه گام را نشان دهد. درک نوتاسیون گام برای خواندن و نوشتن موسیقی به صورت سنتی ضروری است.
کلیدهای سل و فا. کلید سل برای نت‌های بالای C میانه استفاده می‌شود، در حالی که کلید فا برای نت‌های زیر C میانه به کار می‌رود. C میانه بر روی یک خط اضافی قرار دارد که به صورت یک خط کوتاه بالای یا زیر خط حامل گسترش می‌یابد. دانستن موقعیت نت‌ها در هر دو کلید برای خواندن و نوشتن موسیقی برای سازهای مختلف حیاتی است.
نوتاسیون ریتمیک. نمادهای نت همچنین مدت زمان را نشان می‌دهند. نت‌های کامل، نیمه، ربع و هشتم دارای نمادهای متمایز هستند. اتصال نت‌ها با ارزش مشترک در یک بار به وسیله‌ی بامینگ انجام می‌شود. خطوط حامل درام از یک خط واحد یا یک خط حامل پنج‌خطی با کلید درام استفاده می‌کنند.
6. فواصل تعریف شده: بلوک‌های سازنده هارمونی
فواصل اجزای حیاتی موسیقی هستند.
درک فواصل. فاصله، فاصله بین دو نت است. فواصل می‌توانند ملودیک (متوالی) یا هارمونیک (همزمان) باشند. دانستن فواصل برای درک ملودی و هارمونی ضروری است.
محاسبه فواصل. فواصل بر اساس تعداد نت‌هایی که پوشش می‌دهند، از جمله نت شروع، نام‌گذاری می‌شوند. فواصل ساده در یک اکتاو قرار دارند، در حالی که فواصل مرکب بزرگ‌تر هستند. شناسایی فواصل برای تحلیل و خلق موسیقی حیاتی است.
فواصل مرکب. فواصل بزرگ‌تر از یک اکتاو به عنوان فواصل مرکب نامیده می‌شوند. آنها با افزودن یک اکتاو به یک فاصله ساده محاسبه می‌شوند. درک فواصل مرکب به عمق و غنای آثار موسیقایی می‌افزاید.
7. متر و ریتم: ایجاد چرخه‌های موسیقایی
ریتم در واقع در همه جا وجود دارد، هم درون و هم بیرون.
چرخه‌های متریک. متر به چگونگی گروه‌بندی ضرب‌ها به واحدهای بزرگ‌تر به نام چرخه‌های متریک یا بارها مربوط می‌شود. الگوهای متریک رایج شامل دوگانه (دو ضرب)، سه‌گانه (سه ضرب) و چهارگانه (چهار ضرب) است. درک چرخه‌های متریک برای ایجاد حس ریتم و ساختار ضروری است.
امضاهای زمانی. امضاهای زمانی تعداد ضرب‌ها در یک چرخه متریک و ارزش هر ضرب را نشان می‌دهند. امضاهای زمانی ساده شامل ۲/۴، ۳/۴ و ۴/۴ هستند. امضاهای زمانی مرکب، مانند ۶/۸، ۹/۸ و ۱۲/۸، هر ضرب را به سه قسمت تقسیم می‌کنند.
توسعه ریتم‌ها. تکنیک‌های ریتمیک، مانند سینکوپاسیون و موتیف‌های ریتمیک، به یک چرخه متریک واضح وابسته هستند. سینکوپاسیون بر روی ضرب‌های معمولاً ضعیف تأکید می‌کند، در حالی که موتیف‌های ریتمیک واحدهای ریتمیک کوتاه و قابل شناسایی هستند. تریپلت‌ها و ریتم‌های شافل پیچیدگی ریتمیک بیشتری را اضافه می‌کنند.
8. آکوردها: بلوک‌های سازنده هارمونی
هر چه هارمونیک‌های نت‌ها بیشتر مشترک باشند، بهتر با هم هماهنگ می‌شوند - کمی شبیه به علایق مشترک در روابط انسانی.
هم‌نوازی‌های کامل. آکوردها ترکیب‌هایی از نت‌ها هستند که به طور همزمان نواخته می‌شوند. نزدیک‌ترین فواصل آکوردها شامل اکتاو، پنجم کامل و چهارم کامل هستند. این فواصل پایه‌های هارمونی اولیه موسیقی را تشکیل می‌دهند.
تریادها. تریادها آکوردهای سه‌نتی هستند که شامل یک نت پایه، سوم و پنجم می‌باشند. تریادهای ماژور صدای روشنی دارند، در حالی که تریادهای مینور صدای تیره‌تری دارند. تریادها پایه‌های پیشرفت‌های آکوردی هستند.
عملکردهای آکوردی. آکوردها در یک کلید عملکردهای خاصی دارند. آکورد تونیک مهم‌ترین آکورد است که به عنوان پایگاه خانه عمل می‌کند. آکورد غالب تنش ایجاد می‌کند و به آکورد تونیک باز می‌گردد. آکورد ساب‌دومینانت تعادل را فراهم می‌کند.
9. گام‌های مینور: کشف جنبه تاریک‌تر
کلید A مینور به عنوان مینور نسبی کلید C شناخته می‌شود زیرا از همان نت‌ها استفاده می‌کند.
درک کلیدهای مینور. کلیدهای مینور تضادی با کلیدهای ماژور ارائه می‌دهند و صدای تاریک‌تر و درون‌نگرانه‌تری دارند. گام مینور طبیعی آسان‌ترین گام برای یادگیری است که از همان نت‌ها به عنوان گام ماژور نسبی خود استفاده می‌کند اما از یک تونیک متفاوت شروع می‌شود.
آکوردها در گام مینور. آکوردهای موجود در یک گام مینور با آکوردهای موجود در یک گام ماژور متفاوت هستند. آکوردهای تونیک، ساب‌دومینانت و غالب در یک گام مینور همگی مینور هستند و به صدای خاص آن کمک می‌کنند. درک این آکوردها برای نوشتن موسیقی در یک کلید مینور ضروری است.
گام‌های مینور هارمونیک و ملودیک. علاوه بر گام مینور طبیعی، گام‌های مینور هارمونیک و ملودیک نیز وجود دارند. گام مینور هارمونیک درجه هفتم را بالا می‌برد، در حالی که گام مینور ملودیک در هنگام صعود هم درجه ششم و هم هفتم را بالا می‌برد.
10. ملودی و موتیف‌ها: خلق ملودی‌های به یاد ماندنی
یک خط ملودیک خوب دارای ساختار خاصی است.
موتیف‌ها. موتیف یک تکه ملودیک کوتاه و قابل شناسایی است. موتیف‌ها بلوک‌های سازنده ملودی‌های به یاد ماندنی هستند. آنها معمولاً از دو یا سه نت با ریتم متمایز تشکیل شده‌اند.
نوشتن یک موتیف قوی. برای نوشتن یک موتیف قوی، بر ایجاد یک ریتم متمایز تمرکز کنید. زمینه احساسی را در نظر بگیرید و فواصل را انتخاب کنید که احساس مورد نظر را منتقل کنند. با فواصل مختلف آزمایش کنید تا بهترین نتیجه را پیدا کنید.
نمونه‌هایی از موتیف‌ها. تم "آرواره‌ها" از یک نیم‌پرده صعودی برای ایجاد تنش استفاده می‌کند. تم "ماموریت غیرممکن" از یک موتیف ۱۰/۸ برای ایجاد حس فوریت استفاده می‌کند. مطالعه ملودی‌های موجود می‌تواند الهام‌بخش نوشتن موتیف‌های خودتان باشد.
11. گام‌های عجیب و غریب: گسترش پالت‌های صوتی
آزمایش با گام‌های عجیب و غریب.
دو نوع گام عجیب و غریب. گام‌های عجیب و غریب می‌توانند تقلیدهایی از مکان‌های دوردست باشند یا به سادگی توسط آهنگسازان برای اهداف خاص موسیقایی اختراع شوند. هر دو می‌توانند منبع الهام برای ایده‌های جدید موسیقایی باشند.
آزمایش با گام‌های عجیب و غریب. برای استفاده از گام‌های عجیب و غریب به طور کامل، نباید همیشه به هارمونی در یک حس محدود آکوردی فکر کنید. بسیاری از گام‌های عجیب و غریب دارای ویژگی‌های مدهای موسیقایی هستند.
نمونه‌هایی از گام‌های عجیب و غریب. مدهای ناپلی، گام‌های خاورمیانه‌ای، گام‌های اروپای شرقی، ملای هندو، گام‌های جاز و بلوز، گام‌های پنج‌صدایی مصر باستان، گام‌های پنج‌صدایی ژاپنی، گام‌های پنج‌صدایی بالی، گام‌های کلّی و گام‌های مصنوعی.
آخرین به‌روزرسانی::
FAQ
What is Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt about?
- Tailored for computer musicians: The book is a comprehensive guide to music theory designed specifically for those producing music with computers, MIDI keyboards, and digital audio workstations.
- Bridges music and technology: It focuses on practical application, using piano roll views, keyboard diagrams, and score formats to make theory accessible to those who may not read traditional notation.
- Covers modern music styles: The content is relevant to electronic, dance, and popular music, addressing the needs of producers and composers working in these genres.
- From basics to advanced: It starts with fundamental concepts and progresses to advanced topics like exotic scales, complex harmony, and sound design.
Why should I read Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Practical and relevant: The book addresses the specific needs of computer-based producers, making music theory directly applicable to digital music creation.
- Accessible explanations: Complex concepts are broken down into simple, understandable parts, with practical examples and exercises for hands-on learning.
- Enhances creativity and professionalism: By mastering theory, readers can create more original, coherent, and professional-sounding tracks that stand out.
- Includes audio and exercises: Downloadable answers and an audio CD with examples help readers practice and internalize concepts effectively.
What are the key takeaways and practical advice from Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Build from basics to complexity: Start with pitch, rhythm, scales, and triads before moving to modes, exotic scales, and advanced harmony for a solid foundation.
- Focus on root movement and voice leading: Logical root movement and smooth voice leading through inversions and spacing are emphasized for coherent arrangements.
- Experiment and apply theory: The book encourages hands-on practice with MIDI keyboards, sequencing software, and arpeggiators to internalize theory.
- Use exercises and audio: Practical exercises and audio examples are provided to reinforce learning and develop creative, professional music.
What are the fundamental concepts of pitch, intensity, and timbre in Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Pitch as frequency: Pitch refers to how high or low a note sounds, measured in Hertz (Hz), with Middle C and A=440 Hz as key references.
- Intensity as amplitude: Intensity describes the loudness or softness of a sound, measured in decibels (dB), and is linked to MIDI velocity for expressive performances.
- Timbre and synthesis: Tone quality, or timbre, distinguishes instruments and is explained through harmonic partials and waveforms (sine, square, triangle, sawtooth) used in synthesis.
- Sound design basics: Understanding these parameters is essential for both musical expression and electronic sound design.
How does Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt explain rhythm, tempo, and note lengths?
- Rhythm as patterns: Rhythm is defined as the pattern of sounds and silences over time, built on beats or pulses grouped into metric cycles (bars).
- Tempo and note values: Tempo is measured in beats per minute (BPM), and note lengths (whole, half, quarter, etc.) determine the duration of sounds.
- Dotted notes and rests: The book covers dotted notes, rests, and time signatures, including simple, compound, and additive rhythms for varied patterns.
- Practical tools for rhythm: Snap-to-grid, quantization, and resolution in music software are explained for precise rhythmic editing and programming.
What are musical scales and keys according to Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Major and minor scales: The book introduces the major scale (TTSTTTS pattern) and covers natural, harmonic, and melodic minor scales, explaining their construction and differences.
- Key and tonic: A key is defined by the tonic note, and scales can be built on any of the 12 notes, with relative keys linking major and minor scales.
- Modes and pentatonic scales: Modal scales and pentatonic scales are introduced, expanding the tonal palette for composition.
- Practical application: Readers are encouraged to experiment with scales on MIDI keyboards and in software to internalize their sound and structure.
How does Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt explain intervals and chords?
- Intervals defined: Intervals are the pitch distance between two notes, classified as melodic (successive) or harmonic (simultaneous), and further as simple or compound.
- Consonance and dissonance: Intervals are grouped by their harmonic quality—perfect consonances (octave, fifth, fourth), imperfect consonances (thirds, sixths), and dissonances (seconds, sevenths).
- Chords and triads: Chords are built from intervals, with triads (major, minor, augmented, diminished) as the foundation, and the book explains their construction and function.
- Seventh chords and extensions: The book extends to seventh, ninth, eleventh, and thirteenth chords, discussing their formation and use in modern harmony.
What are chord progressions and their functions in Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Primary triads: The tonic (I), subdominant (IV), and dominant (V) chords form the backbone of most progressions, providing stability and movement.
- Chord functions: The tonic is the home chord, the dominant creates tension, and the subdominant balances the progression, with cadences providing closure.
- Root movement: Logical root movement by seconds, thirds, and fourths is emphasized for creating musically satisfying progressions.
- Building progressions: The book guides readers from basic triads to incorporating secondary chords and extensions for richer harmony.
How does Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt approach melody, motives, and arpeggiation?
- Melody structure: Melodies are sequences of pitches, with motives as short, distinctive rhythmic and melodic units that form memorable tunes.
- Writing strong motives: The book advises focusing on rhythm first, then shaping melodic intervals to convey emotion and energy.
- Arpeggiation explained: Arpeggiation involves playing chord notes successively to create motion, essential for sustaining harmonies in electronic music.
- Software tools and patterns: Common arpeggio patterns and the use of arpeggiators in software are discussed for creating engaging sequences.
What are additive rhythms and how are they used in Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt?
- Definition of additive rhythms: Additive rhythm involves grouping short beats into patterns of twos and threes, creating asymmetric meters like 7/8 or 11/4.
- Rhythmic variety: Combining duple and triple cells generates a wide range of metric groupings, offering alternatives to standard 4/4 time.
- Practical exercises: The book provides exercises to practice additive rhythms and suggests their use in polyrhythms and melodic motives.
- Enhancing creativity: Additive rhythms enrich rhythmic interest in both rhythm tracks and melodic lines.
How does Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt cover exotic scales and their application?
- Types of exotic scales: The book distinguishes between world music scales (e.g., Middle Eastern, Balinese, Japanese) and artificially invented scales (e.g., Mystic scale).
- Modal and intervallic focus: Exotic scales are often used melodically with drones or sustained notes, emphasizing interval relationships over traditional harmony.
- Examples and experimentation: Numerous examples are provided, encouraging readers to experiment for unique sounds and textures.
- Enriching mood and atmosphere: Exotic scales are presented as tools for creating distinctive moods and expanding the harmonic palette.
What does Music Theory for Computer Musicians by Michael Hewitt teach about intonation and tuning systems?
- Equal temperament vs. just intonation: Western music typically uses equal temperament, dividing the octave into 12 equal semitones, while just intonation uses pure intervals based on mathematical ratios.
- Alternative tunings: The book covers Pythagorean intonation, microtonal scales, and fine-tuning techniques available in music software.
- Practical challenges: Pure tuning is difficult across all keys, so modal music is suggested as more viable for alternative tunings.
- Encourages experimentation: Readers are encouraged to explore authentic tunings for world music and overtone melodies using software tools.
نقد و بررسی
کتاب نظریه موسیقی برای موسیقیدانان کامپیوتری عمدتاً نقدهای مثبتی دریافت کرده است و خوانندگان از وضوح و پوشش جامع مبانی نظریه موسیقی آن قدردانی می‌کنند. بسیاری از آن را برای مبتدیان و موسیقیدانان کامپیوتری مفید می‌دانند و توضیحات مربوط به گام‌ها، آکوردها و پیشرفت‌ها را مورد تحسین قرار می‌دهند. برخی از خوانندگان اشاره می‌کنند که در ابتدا ممکن است کمی گیج‌کننده باشد، اما با چندین بار خواندن، پاداش‌های خوبی به همراه دارد. چند انتقاد به طول کتاب اشاره دارد و پیشنهاد می‌شود که با منابع دیگر تکمیل شود. به‌طور کلی، خوانندگان به سازماندهی، مثال‌ها و همراه صوتی کتاب ارزش می‌دهند و آن را به‌عنوان یک پایه محکم برای درک نظریه موسیقی در نظر می‌گیرند.
